Edouard Manet (1832-1883),  "La Musique aux Tuileries" (1860-1861), "Olympia" (1865), "Le Déjeuner sur l'herbe" (1868) , "Un bar aux Folies-Bergères" (1881-1882) - Edgar Degas (1834-1917), "La Famille Bellelli" (1858-1867), "La Classe de danse" (1874), "L'Absinthe" (1876) - Henri Fantin-Latour, "Un atelier aux Batignolles" (1870) - Pierre Georges Jeanniot (1848-1934) - Charles Frederic Ulrich (1858-1908) - Alfred Stevens (1823-1906) - ....
Last update: 2018/10/10

A partir de 1858, un phénomène d'éclatement se produit dans la peinture qui sera alors moins représentée par des mouvements collectifs que par des personnalités totalement indépendantes. Manet (1832-1883) est le premier peintre dont l'oeuvre soit entièrement débarrassée du sentimentalisme et de la littérature. Avec lui, la peinture acquiert une véritable autonomie et le tableau devient une réalité indépendante. C'est sans doute pour cela qu'il effraya le jury du Salon plus encore que ne l'avaient fait Delacroix et Courbet réunis. Car on eut beau parler d'offense à la pudeur et de réalisme à l'occasion des deux scandales du Déjeuner sur l'herbe (1863) et de l'Olympia (1865), en vérité c'était moins leurs sujets, thèmes classiques en soi, qui déconcertaient que leur "modernité" et la technique nouvelle et insolite dont ils étaient l'expression. L'oeil, encore classique, des juges de Manet ne se faisait pas à  cette juxtaposition brutale et sans transition de tons vifs et contrastés auxquels ils n'étaient pas habitués. Le Fifre (1866) qui fut également refusé, consacre justement cette technique "de carte à jouer", comme disait avec ironie Courbet; influencé comme tant de ses contemporains par l'art japonais, Manet invente ici une perspective nouvelle anti-réaliste, réduite finalement à deux dimensions, suggérée non plus par les volumes mais par l'intensité de ton des différents pans colorés et par leur répartition sur la toile. Il n'y a rien de commun entre la nature de cette peinture, entre la lumière naturelle et cette lumière étonnamment vraie obtenue par le jeu des contrastes : un univers proprement pictural est créé.  C'est cet univers que Degas (1834-1917), hostile aux impressionnistes, défendra par un art savant et rythmé ...
(photo de Degas représentant Renoir, assis, Mallarmé, debout, et Degas dans le miroir...)

Henri Fantin-Latour, dans "Un atelier aux Batignolles" (1870, Musée d'Orsay, Paris), peintre pourtant des plus traditionnels, rend homme au génie de Manet qui semble ici défier le spectateur, Auguste Renoir et Claude Monet l'accompagnent. Fantin-Latour soutient ainsi, contre les traditionnalistes qui avaient mainmise sur les galeries et expositions, la nouvelle mouvance artistique qui prenait alors corps…

Edouard Manet (1832-1883)
"Faire du premier coup d'oeil ce que l'on voit" - Né à Paris d'un juge et de la filleule d'un prince de la couronne suédoise, Manet se lança dans l'art contre l'avis de son père qui voulait le voir embrasser la carrière juridique. En 1862, la mort de son père lui laisse une fortune considérable qui va lui permettre de ne plus dépendre de l'art pour vivre. Fortement influencé par le réalisme de Gustave Courbet et proche d'impressionnistes tels que Claude Monet et Pierre Auguste Renoir, Manet jette un pont entre ces deux mouvements. Son premier tableau, "Le Buveur d’Absinthe", est refusé au Salon de 1859 puisqu’il présente un homme marginal, au ban de la société. C’est par ailleurs avec cette première réalisation officielle que Manet trouve sa ligne de conduite : peindre dans l’inspiration des méthodes traditionnelles tout en représentant une réalité sociale contemporaine. La "Modernité", dit-on, fait son apparition avec un tableau, "Olympia", de Manet, aujourd'hui un classique. Manet réinvente le style des anciens maîtres pour créer un nouveau langage pictural et compose ainsi plus de 450 oeuvres, le plus souvent des portraits, des portraits qui sont tous de véritables mises en scène…

1860-1861 - "La Musique aux Tuileries", Londres, National Gallery
Peint sous Napoléon 111, ce tableau montre le «spectacle de la vie élégante» (Baudelaire), en écho au livre du poète, le Peintre de la vie moderne. Manet traite en «genre noble»
un sujet de genre mondain. Les personnages au premier plan sont de véritables portraits: Manet en haut-de-forme, penché, Baudelaire et des amis de l'artiste (Offenbach, Champfleury, Fantin-Latour, Scholl, T Gautier) près du tronc d'arbre. Les chaises, les chapeaux et les nœuds des robes des enfants introduisent les courbes; les troncs d'arbres, les hauts-de-forme et les jaquettes des hommes construisent les verticales. Les couleurs claires des larges aplats sont rehaussées de quelques notes plus vives. Ce tableau scandalise les contemporains de Manet par sa technique qui «caricature» les visages, esquisse les vêtements et par la «manie [de l'artiste] de voir par taches» (Babou, 1867). Zola réplique que le spectateur doit se situer «a une distance respectueuse; il [Babou] aurait alors vu que ces taches vivaient, que la foule parlait, et que cette toile était une des œuvres caractéristiques de l'artiste, celle ou il a le plus obéi a ses yeux et à son tempérament ››. En ce sens, la Musique aux Tuileries serait le premier tableau de la peinture moderne…

Manet a refusé la voie traditionnelle de l'Ecole des beaux-arts pour étudier avec Thomas Couture, sans se priver de le critiquer, et pour découvrir par lui-même les musées étrangers. Il a d'abord traversé une phase vouée au genre espagnol, que les troupes de danseurs et de chanteurs ont mis à la mode depuis le mariage de Napoléon III avec Eugénie de Montijo: "Lola de Valence" (1862, musée d'Orsay) en est l'exemple le plus célèbre. Initié par son ami Baudelaire aux beautés du monde moderne et passionné comme son camarade Degas par la nouveauté plastique des estampes japonaises, il en tire des théories qui subjuguent les jeunes peintres, des couleurs en larges aplats, sans modelé, sans dégradé, et le noir, banni par les impressionnistes, prend une large place dans ses oeuvres...

"Alias Olympia: A Woman’s Search for Manet’s Notorious Model and Her Own Desire", Eunice Lipton, 1992

Eunice Lipton était jeune historienne de l’art lorsqu’elle fut intriguée par Victorine Meurent, le modèle du XIXe siècle qui est apparu dans les peintures les plus célèbres d’Edouard Manet, pour disparaître de l’histoire dans un brouillard de rumeurs dégradantes. Mais cette beauté audacieuse et fougueuse avait-elle vraiment sombré dans la prostitution, l’ivresse et la mort prématurée, ou sa vie, cachée de l’histoire, avait-elle pris un tout autre cours ? Eunice Lipton entreprend de répondre à ces interrogations ...

"La Nymphe surprise" (1860-1861, Musée national des beaux arts, Buenos Aires), "Madame Manet au piano" (1868, Musée d'Orsay) - Concubine puis épouse du peintre, après avoir été celle du père supposé d'Edouard Manet, ce qui ne sera pas sans doute sans conséquences, la corpulente Suzanne Leenhoff sut avec placidité accepter les multiples infidélités de son artiste de mari  et notamment le modèle favori de Manet, Victorine Meurent. Manet la rencontre alors qu'elle a dix-huit ans, il semble frappé par son aspect "original" et sa manière d’être "tranchée", un regard droit, presque douloureux, loin du modèle hédoniste et du corps parfait tant recherché par les artistes de second plan. Elle apparaît en 1862 dans "La chanteuse des rues" (Boston), "La Musique aux Tuileries" (Londres), "La femme au Perroquet" (Metropolian Museum of Art, New York). Sa dernière apparition correspondra au tableau "Chemin de fer (Gare Saint-Lazare)", en 1872-1873. Neuf toiles qui autorisent à s'interroger sur l'influence du modèle sur le peintre lui-même. C'est elle qui pose dans le sulfureux "Olympia", le "Déjeuner sur l'herbe", elle glissera dans la déchéance après avoir un temps espéré devenir elle aussi peintre....

Atteignant la quarantaine, dans les années 1870, Manet qui a contracté la syphilis, est en proie à des douleurs extrêmes, sa maladie progresse à un rythme alarmant. Il participe à une importante exposition d'art français qui se tient à Londres à Burlington House où il présente "Un Bar aux Folies-Bergère" (1882), sa dernière grande contribution à la vision moderne de la peinture. Le 6 avril 1883, après avoir peint des roses et des lilas, l'état de Manet empire, la gangrène s'est développée  et son pied gauche doit être amputé : il meurt onze jours plus tard à Paris et est enterré dans le cimetière de Passy... En janvier 1884, une exposition posthume de l'œuvre de Manet a lieu à l'École des Beaux-Arts, Zola en écrit la préface du catalogue, les oeuvres de Manet acquièrent enfin une certaine importance, les sujets urbains et modernes s'imposent dans la peinture de cette fin du XIXe…

Edgar Degas (1834-1917)
La mort précoce de Manet en 1883 donne à Degas le statut de leader intellectuel de l'art français à la fin du XIXe siècle, un Degas qui a vu très tôt que l'art moderne n'allait pas s'arrêter à l'impressionnisme, et pourtant, non sans ironie, Degas est devenu à partir des années 1870 l'illustrateur impressionniste par excellence des petites ballerines.
Degas est le dernier artiste à travailler avec ferveur en atelier et un peintre absolument réfractaire à la technique impressionniste  :  "l'ennui me gagne vite à contempler la nature", écrira-t-il, ajoutant "aucun art n'est aussi peu spontané que le mien". La lumière reste froide, artificielle, son regard se porte sur le mouvement plus que sur la perception lumineuse, la notation fugitive d`une attitude, analysée, décomposée, recomposée, parfois à l'aide de la photographie, est ce qui importe à ses compositions, des compositions, de technique complexe, réalisées sur toile de tout format, sur papier, sur carton ou monotype de petit ou moyen format. Hormis des portraits et quelques paysages, Degas peint la vie publique quotidienne et parisienne, courses de chevaux, spectacles de danse, musiciens à l'0péra et au théâtre, scènes de café ou de travail. Mais plus encore il est le peintre de l'intimité féminine, danseuses en coulisses ou femmes à leur toilette.  Fils d'un banquier mélomane et amateur de peinture, Degas entame des études de droit puis entre aux Beaux-Arts en 1855 dans l'atelier de Louis Lamothe, peintre académique et ingresque. Mais rapidement, Degas préfère se former seul au Louvre. Ses premières œuvres sont des peintures d'histoire (1865, The Sufferings of the City of New Orleans, Musée d'Orsay), des portraits de famille et des copies de maîtres anciens, le style est classique (Self Portrait, 1855, Musée d'Orsay). L'œuvre de Degas comptera plus de 2 000 peintures et pastels....

"La Famille Bellelli", 1858-1867, Musée d'Orsay, Paris
"La Famille Bellelli" est considéré comme l'un des premiers chefs-d'oeuvre de l'Impressionnisme, et pourtant Degas ne manifeste guère d'intérêt pour le paysage et pour l'étude de la lumière. Certes, il reste solidaire de ce mouvement en exposant à leur Salon dès 1874 et jusqu'en 1886 (exception faite de 1882), boudant après 1870 le Salon officiel, bien qu'il n'en ait pas été exclu. Mails il est plus proche de l'esthétique réaliste prônée par Émile Zola, Louis Edmond Duranty ou Manet. Aussi, au début de sa carrière, Degas peint nombre de portraits traditionnels; en 1858-1867, il s'attache à représenter les membres de sa famille qui vivent alors en Italie, sa tante Laure, son mari, le baron Bellelli, et leurs deux filles. Degas était alors parti étudier les grands maîtres, on y voit ici l'influence d'un Van Dyck, mais on retrouve aussi la fameuse approche "arrêt sur image" de Degas. Les regards fixent tous un point différent, chaque personnage est isolé l'un de l'autre et Bellelli, patriote italien chassé de Naples, nous tourne le dos...

"L'Orchestre de l'Opéra", vers 1868-1869, Paris, musée d'Orsay
Alors qu'un Renoir s’applique à de grands tableaux où résonne la gaieté simple et populaire des bals de Montmartre, Degas, non sans ironie, nous fait pénétrer dans l'atmosphère des coulisses et des répétitions via un regard totalement décalé, ici la masse compacte des instruments de l'orchestre. Degas peint son ami D. Dibau, basson à l'Opéra, dans la fosse d'orchestre, entouré d'autres instrumentistes. La composition et surtout le cadrage très original empruntent à Daumier et à l'estampe japonaise. Une rampe, au bas du tableau, délimite la fosse et Degas invite le spectateur à entrer dans l'oeuvre en accrochant son regard par la volute de la contrebasse située au premier plan. Dans la partie haute de la scène, le peintre coupe audacieusement le corps des danseuses en mouvement, vêtues de tutus de teintes claires, aériens et brossés avec légèreté, éclairés de manière froide et violente alors qu'au premier plan, les musiciens en costume strict, d'un noir uniforme, immobiles, sont plongés dans la pénombre…

L'Opéra est pour Degas un véritable microcosme, un monde à part entière avec sa scène, ses coulisses, ses rideaux, ses décors, son public, et ses ballerines, jeunes femmes tout en mouvement, tout en attitude, livrées à un voyeurisme sans limite. "Le Portrait de Mlle Fiocre dans le ballet " La Source" (Brooklyn Museum de New York) est La première de ses œuvres inspirées de l'Opéra, singulière représentation qui date de 1867-1868 et ressemble plus à un paysage qu'à une scène de ballet. En 1870, "L'Orchestre à l'Opéra" est en fait un portrait commandé par le bassoniste Désiré Dihau. Au cours des années 1870 et 1880, Edgar Degas a produit des centaines de dessins et de peintures de danseuses de l'Opéra de Paris, comptant sur ses amis pour obtenir des laissez-passer pour les coulisses, observant, notant, puis reconstituant en atelier la pose, le geste juste, l'attitude, au plus proche, non pas de "la réalité", mais de sa logique de composition (le premier opéra parisien que Degas a connu se trouve rue Le Peletier, et non le Palais Garnier)...

"L'Absinthe", 1876, Musée d'Orsay, Paris
Exposé à la galerie Grafton de Londres en 1893, le tableau qui représentait Ellen André, une actrice, et Marcellin Desboutin, artiste bohème, provoqua quelques remous, plus que le représentation de la dépendance alcoolique sous forme pratiquement d'une scène de "reportage", il faut noter la composition particulièrement étudiée, son sujet principal est décalé vers le fond à droite, laissant un grand espace vide au premier plan, l'utilisation des ombres est de plus remarquable. Le regard de Degas est sans concession, qu'il porte sur l'atmosphère d'un café ou sur le monde du travail : "Café-concert des Ambassadeurs" (1876-1877, Musée des Beaux-Arts de Lyon), "Chanteuse de café" (1878, Cambridge), "Repasseuse à contre-jour (1874, New York), "Blanchisseuses portant du linge" (1876-1878, Standford), "Les Repasseuses" (1884, Norton Simon Museum of Art, Pasadena), "Chez la modiste" (1882, Museum of Modern Art, New York),...

"Le Tub" (1886, Musée d'Orsay, Paris)

A partir des années 1880, sa vue commençant à faiblir, Degas se tourne vers le pastel. Il ne propose pas une vision idéalisée ou romantique de la femme, mais une représentation plus réaliste d'un corps féminin qui pourrait sembler vulgaire, mais offre une beauté vulnérable et délicate. C'est un moment de vérité de la vie quotidienne qu'il nous donne... Et Degas observe sans nuance la femme à sa toilette, "Femmes se peignant" (1875-1876, Washington), "Femme au bain" (1883, Tate, London), "La Sortie du bain" (1885, New York, M.M.), "Le Tub" (1886, Paris, Orsay), "Femme se coiffant" ( 1887-1890, The Hermitage, St. Petersburg), "La Baigneuse" ( 1890, New York, M.M.) , "Woman with a Towel" (1898, Metropolitan Museum of Art, New York), "Woman Having Her Hair Combed" (1886, Metropolitan Museum of Art, New York), "Woman at Her Toilette" (1900-1910, Art Institute of Chicago), ...

La situation financière de Degas s'est améliorée grâce à la vente de ses propres œuvres et il a pu se livrer à sa grande passion de collectionneur, en particulier de maîtres anciens, El Greco, Ingres, Delacroix et Daumier, mais aussi aussi des œuvres de contemporains telles que Pissarro, Cézanne, Gauguin et Van Gogh. De plus, c'est vers les années 1880 que le peintre se prend de passion pour la photographie jusqu’à presque délaisser la peinture (photos de groupe avec Paule Gobillard, Jeannie Gobillard, Julie Manet, et Geneviève Mallarmé, ou Paul Poujaud, Mme. Arthur Fontaine et Degas;  et de nombreux autoportraits...). À partir de 1886, Degas n`expose plus que chez les marchands, Durand-Ruel, Valadon, A. Vollard, et Theo Van Gogh représente Degas. . . Replié sur lui-même, l'artiste voit quelques amis (les peintres G. Moreau, L. Bonnat, J. Tissot, Gauguin, le sculpteur A. Bartholomé, le poète S. Mallarmé) et ses mécènes....

"Femme s'essuyant le cou", 1890-1895. Pastel sur carton, Paris, musée d'Orsay
"Jusqu'à présent, le nu avait toujours été représenté dans des poses qui supposent un public. Mais mes femmes sont des gens simples, honnêtes qui ne s'occupent de rien d'autre que de leur occupation physique. Je les montre sans coquetterie.." Degas rejette la beauté idéale du nu académique féminin au bénéfice des postures naturelles et intimes. La femme se coiffe, se décoiffe, se lave, se frotte ou se sèche, comme sur ce pastel, vue de dos, le visage caché, dans cet intérieur sobre. La virtuosité du pastelliste éclate : les tons subtils aux harmonies précieuses prennent toute leur densité sous l'éclairage froid qui jette des ombres colorées, un reflet vert dans ses cheveux. L'artiste pousse ici à l 'extrême la technique des hachures verticales, mais il a su aussi créer des corps a la facture plus douce, comme dans le Tub. Degas s'est éloigné de ses célèbres images de courses de chevaux, de chanteurs et de danseuses, le nu devient son thème majeur, Gauguin, Berthe Morisot, Vincent Van Gogh s'extasient devant cette nouvelle forme de nudité artistique,  le nu n'est plus celui d'une posture qui présuppose un public, mais celui de femmes, honnêtes et simples, qui s'habillent et se déshabillent, en toute impudeur....

"After the Bath, Woman Drying Herself" (1895-1900, The Courtauld Gallery, London) - "After the Bath, Woman Drying Herself" (1905, National Gallery, London)..
Nombre d'artistes contemporains de Degas, Manet, Van Gogh, Emile Bernard se sont interrogés sur l'apparente contradiction entre la vie du peintre et son art. Comment cet homme qui a tant peint l'intimité des femmes ou des jeunes ballerines, a-t-il pu vivre apparemment en célibataire absolu. Les chefs-d'œuvre érotiques de Degas, dans les années 1880 et 1890, se concentrent sans relâche sur les femmes qui s'habillent, se déshabillent, se lavent, se sèchent. Il savait que son réalisme renforçait le frisson voyeuriste. Pire, "j'ai peut-être trop souvent considéré la femme comme un animal", livrera-t-il. Et le voici nous montrant une femme assise sur une chaise en osier, le dos tourné vers nous, se frottant le cou après être sortie d'une baignoire en étain. La sensualité réside toute dans la tension de cette jeune femme absorbée dans son effort, sans se soucier de l'observateur...  Van Gogh avait son interprétation : ce que Degas peint des femmes, c'est leur "force" qui le terrifie et l'obsède tant, la distance physique qui semble impossible à franchir, telle serait toute l'énigme de sa solitude, …  

L’art moderne - Le salon de 1879 - Huysmans
"... parmi les peintres qui ont suivi le mouvement naturaliste, déterminé en peinture par les impressionnistes et par Manet, Degas est demeuré le plus original et le plus hardi. Un des premiers, il s'est attaqué aux élégances et aux populaceries féminines ; un des premiers, il a osé aborder les lumières factices, les éclats des rampes devant lesquelles braillent, en décolleté, des chanteuses de beuglants, ou s'ébattent, en pirouettant, des danseuses vêtues de gaze. Ici, point de chairs crémeuses ou lisses, point d'épidermes en baudruche et de moire, mais de la vraie chair poudrée de veloutine, de la chair maquillée de théâtre et d'alcôve, telle qu'elle est avec son grenu éraillé, vue de près, et son maladif éclat, vue de loin. M. Degas est passé maître dans l'art de rendre ce que j'appellerais volontiers la carnation civilisée. Il est passé maître encore dans l'art de saisir la femme, de la représenter avec ses jolis mouvements et ses grâces d'attitude, à quelque classe de la société qu'elle appartienne.
Que les gens pas habitués à cette peinture s'effarent, peu importe ! On leur a changé leurs pantoufles de place, mais ils les chausseront bien, où qu'on les leur mette. Ils finiront par comprendre que les moyens de peinture excellents dans l'ancienne école flamande pour rendre ces intérieurs tranquilles dans lesquels sourient de bonnes grosses mères, sont impuissants à rendre l'intérieur capitonné de nos jours et ces exquises Parisiennes au teint mat, aux lèvres fardées, aux hanches polissonnes, qui bougent dans de moulantes armures de satin et de soie ! — Certes, j'admire, pour ma part, les Jan Steen et les Ostade, les Terburg et les Metzu, et ma passion pour certains Rembrandt est grande ; mais cela ne m'empêche point de déclarer qu'il faut aujourd'hui trouver autre chose. Ces maîtres ont peint les gens de leur époque avec les procédés de leur époque, — c'est chose faite et finie — à d'autres maintenant ! En attendant qu'un homme de génie, réunissant tous les curieux éléments de la peinture impressionniste, surgisse et enlève d'assaut la place, je ne puis trop applaudir aux tentatives des indépendants qui apportent une méthode nouvelle, une senteur d'art singulière et vraie, qui distillent l'essence de leur temps comme les naturalistes hollandais exprimaient l'arôme du leur ; à temps nouveaux, procédés neufs. C'est simple affaire de bon sens...."

Alfred Stevens (1823-1906)
Natif de Bruxelles, Alfred Stevens fut élève d'Ingres à École nationale supérieure des beaux-arts de Paris à partir de 1844. Particulièrement introduit dans les milieux artistiques et mondains de la capitale, il fut l'ami d'Édouard Manet, d'Edouard Degas, de Berthe Morisot, ses scènes de genre, ses élégantes aux états d'âmes connurent un grand succès et son ascension fut fulgurante tant en Belgique qu'en France. "Le spectacle d'une femme élégante, surprise dans son intérieur occupé à ne rien faire lui suffisait à composer un trouble attachant mais, de temps à autre, il y glisse l'expression légère d'un sentiment", un spectacle reconstruit le plus souvent, mise en scène de ces "Lorettes" qui arpentaient le pavé parisien. A partir de 1883, tenant compte de la montée de l'impressionnisme, il se tourna vers cette technique, notamment dans ses paysages et l'Exposition universelle de Paris de 1889 (celle de la tour Eiffel)) le vit peindre "Le Panorama du siècle", une fresque aujourd'hui disparue. Son frère, Arthur Stevens, était marchand d'art installé à Paris et à Bruxelles et malencontreusement ne l'engagea pas à poursuivre l'aventure impressionniste...
(Henri Gervex, Portrait d'Alfred Stevens, 1884)

Pierre Georges Jeanniot (1848-1934)
Natif de Genève, peintre, graveur et illustrateur, admirateur d'Edgar Degas (portrait of Degas, 1891, Art Institute of Chicago), qu'il vénérait, dit-on, Jeanniot s'établit à Paris à partir de 1882 après avoir renoncé à une carrière militaire : "Ligne de feu, souvenirs de la bataille de Rezonville" (musée de Pau, 1876), "Conscrits" (1894). Dans la capitale, il fréquente Édouard Manet, Pierre Puvis de Chavannes, Emile Friant, Jean-Louis Forain, Paul Helleu, dessine dans des revues telles que La Vie moderne, Le Rire, et ses scènes pittoresques relatives à la vie de ses contemporains lui acquiert la notoriété : son oeil est acéré, son trait précis, ses points de vue décalés, à la Degas, ses couleurs évoquent celles de Toulouse-Lautrec ou de Mary Cassatt...
(Portrait de l'auteur, musée d'Orsay, Paris)