Gustav Klimt (1862-1918) - Otto Friedrich (1862-1937) - Koloman Moser (1868-1918) - Fernand Khnopff  (1858-1921) - Ferdinand Hodler (1853-1918) - Franz von Stuck (1863-1928) - ...

Last update : 11/11/2016

Gustav Klimt (1862-1918)

1900-1910 - Art nouveau et  Sécession de Vienne

Solitaire, mais hédoniste,  Klimt crée un art symboliste, onirique et  sensuel. Il célèbre la femme.  Les courbes linéaires stylisées en un lacis de méandres caractérisent son style. Il connait le succès de son vivant, comme décorateur puis comme peintre. Il semble, à travers toute son oeuvre, entreprendre d'enchâsser toute la souffrance humaine et toute la sensualité des désirs dans un canevas ornemental qui gomme ainsi toute tragédie et tout désir : il est alors peu surprenant qu'un de ses plus grands disciples, Egon Schiele, ait su en extraire de quoi alimenter son univers tourmenté, cru et vidé de toute ornementation purement esthétique...

"Le baiser" (Vienne, Österreichische Galerie) est caractéristique du Jugendstill. Le terme "Jugendstil" renvoie originellement à la revue munichoise Jugend, créée en janvier 1896 par Georg Hirth (1865-1902), et désigne, tant en Allemagne qu'en Autriche, cet "Art nouveau" qui rénove arts décoratifs et architecture en cette fin du XIXe et premières années du XXe siècle. 

Le tableau intitulé "Pallas Athéna" (1898, Historisches Museum, Vienne) est considéré comme emblématique de la nouvelle veine stylistique de Klimt. Athéna revêt l'allure d'une séductrice viennoise, femme fatale aux yeux fardés dont la longue chevelure rousse dépasse du casque pour encadrer la plaque pectorale représentant une gorgone tirant la langue. 

Le "portrait d'Adele Bloch-Bauer" (1907) est l'un des nombreux portraits qu'il fit des beautés de la haute bourgeoisie, enchâssant ces silhouettes de femmes intellectuelles et cultivées dans un décor inspiré des mosaïques de la Byzance impériale, avec des motifs à l'or et de luxueux ornements géométriques : le visage se détache du décor et regarde directement l'observateur.

Le célèbre "Baiser" de 1907-1908 (Galerie Belvedere, Vienne) est une luxuriante étreinte amoureuse mais positionnée au bord d'une falaise. Dans "Mort et vie" (1916, collection du Dr Rudolf Leopold, Vienne), l'opulence du décor contraste avec le sujet tragique de la destinée humaine, le cycle de la vie de femmes enlacées, de la naissance, à la maternité et à l'intimité de l'amour, suit son cours inexorable sous le regard de la mort revêtue de symboles religieux qui évoquent des tombes. 

Klimt élabore ensuite un style très personnel dans lequel l'ornement n'est plus seulement décoratif mais intégré au sujet, lui permettant de s'adonner à une inspiration plus symboliste. Le tableau "Les Poissons rouges" (1902, Musée de Soleure, Suisse) montre une femme exhibant un postérieur rebondi et lançant au spectateur un regard des plus narquois : Klimt entre dans une période qui produit ses œuvres les plus célèbres, portraits ou allégories.

Le "portrait d'Adele Bloch-Bauer" (1907) est l'un des nombreux portraits qu'il fit des beautés de la haute bourgeoisie, enchâssant ces silhouettes de femmes intellectuelles et cultivées dans un décor inspiré des mosaïques de la Byzance impériale, avec des motifs à l'or et de luxueux ornements géométriques : le visage se détache du décor et regarde directement l'observateur. Le célèbre "Baiser" de 1907-1908 (Galerie Belvedere, Vienne) est une luxuriante étreinte amoureuse mais positionnée au bord d'une falaise.

Dans "Mort et vie" (1916, collection du Dr Rudolf Leopold, Vienne), l'opulence du décor contraste avec le sujet tragique de la destinée humaine, le cycle de la vie de femmes enlacées, de la naissance, à la maternité et à l'intimité de l'amour, suit son cours inexorable sous le regard de la mort revêtue de symboles religieux qui évoquent des tombes..

Emilie Flöge (1874-1952), égérie et compagne de Klimt qu'elle rencontre en 1897, et qu'il peindra notamment en 1902, est une femme convoitée, indépendante, styliste qui connut son heure de gloire en s'associant sa sœur Hélene pour tenir un salon viennois de haute couture (Schwestern Flöge) dans la Mariahilfer Straße...

Otto Friedrich (1862-1937)

Ce peintre hongrois vivait à Vienne au début du 20e siècle, au moment où les écrits de Freud commençaient à se diffuser. Une série d'expositions modernistes, organisées par les sécessionnistes de Vienne entre 1898 et 1905, permirent aux artistes de découvrir le nouveau concept du "moi intérieur". C'est dans ce contexte que fut peinte "La Vanité" (1904, collection particulière). "Une jeune femme agenouillée, dont le corps dénudé reflète le pâle violet luminescent qui l'entoure, s'admire dans le miroir qu'elle tient à la main et qui renvoie l'image de la glace devant laquelle elle se trouve. Friedrich utilise des lignes évocatrices et des coloris éclatants dépourvus de naturel afin d'inciter le spectateur à pénétrer dans ce boudoir fait de tromperies et de reflets."

Koloman Moser (1868-1918)

"Si « l'artiste aux mille talents » (Hermann Bahr) fut apprécié tant par ses pairs que par ses commanditaires, sa renommée en tant que créateur fut éclipsée par celle de ses illustres compagnons : le peintre Gustav Klimt et l'architecte Josef Hoffmann. Le fait qu'il excellât dans tous les arts appliqués le priva d'être reconnu comme un artiste à part entière. En 1890 Koloman Moser débute comme illustrateur, développant un style Art nouveau très personnel. En 1897 il rencontre Gustav Klimt et crée la Sécession de Vienne, auquel participent également des décorateurs anglais, comme Walter Crane, et Charles Rennie Mackintosh. Enseignant à partir de 1899 à l'École d'art appliqué, il réalise de nombreux dessins pour du mobilier, des tissus, des objets variés. Dès 1903, il s'est lié avec Hodler, dont l'art exerce une profonde influence sur sa peinture (Trois Femmes, Vienne, MAM). C'est à partir de 1907 qu' il se consacre principalement à la peinture.

Fernand Khnopff  (1858-1921)

Le Belge Fernand Khnopff et le Néerlandais Jan Toorop ont tous deux, dans leur milieu respectif, joué un rôle déterminant dans la formation et la diffusion de l'Art nouveau. Lié avec les poètes symbolistes, Fernand Khnopff devint l'un des chefs de file du Symbolisme en Belgique. Mais il fut aussi le premier adepte belge du Sâr Mérodack Joséphin Peladan, co-fondateur de l'Ordre Kabbalistique de la Rose-Croix : ce dernier sut exploiter entre 1892 et 1897 l'attrait du spirituel et de l'idéalisme qui gagnait alors le monde artistique, le Tout-Paris mondain ( (Mallarmé, Zola, Verlaine, Gustave Moreau, Erik Satie, Hodler, Khnopff, etc.), se pressant dans les Salons de la Rose-Croix, prônant une resacralisation de l'art et de la vie (L'Art idéaliste et mystique, Paris, 1894). L'oeuvre et le personnage Fernand Khnopff  font débat :  "pur produit de la haute bourgeoisie catholique, aristocrate fortuné d'ascendance germanique, misogyne hautain, solitaire et raffiné, trop attaché à sa sœur Marguerite (son modèle privilégié) pour supporter le mariage au-delà de quelques mois, mobilisé en permanence par un sens aigu du paraître, Fernand Khnopff s'est composé un personnage aussi factice que ses œuvres (toujours d'une grande intensité figurale) sont saturées d'investissements libidinaux et fondées sur une organisation narcissique : despote du malaise, ce précurseur du dépaysement surréaliste offre au consommateur de l'image, toujours avec un tact silencieux, l'insolite, le bizarre, l'inattendu, le caressant, l'ésotérique, bref un érotisme de civilisé hautement « prisé par le monde élégant » ". 

Ferdinand Hodler (1853-1918)

Né à Berne et mort à Genève, Ferdinand Hodler, grand rénovateur de la peinture décorative monumentale et promoteur d'un art fortement symbolique et idéaliste, contribue à l'éclosion du " style 1900 " auquel il apporte sa vision dépouillée et affranchie de tout rendu illusionniste de l'espace.

Issu d'un milieu artisanal et misérable, orphelin à quatorze ans, il débute enfant comme peintre d'enseignes, puis comme peintre de " vues suisses " fabriquées en série pour les touristes, il gagne Genève en 1872, suit pendant cinq ans l'enseignement de Menn qui fait de lui un artiste.

"La Nuit" (1889-90, musée de Berne) est l'œuvre clé du symbolisme hodlérien et du "parallélisme" de Hodler, principe de composition désormais dominant chez lui, qui consiste à répéter des formes semblables pour conférer au tableau son unité architectonique et décorative. Au-delà de la technique,  l'obsession d'un peintre qui dès l'enfance a été confronté à la perte des siens ressurgit dans cette oeuvre : "le peintre se représente arraché de son sommeil par le fantôme de la mort. Autour de lui, des dormeurs et dormeuses enlacés, où se glissent des autoportraits et les portraits des deux femmes entre lesquelles Hodler partage alors sa vie : Augustine Dupin, compagne des débuts et mère de son fils, Bertha Stucki, l'épouse, le temps d'un mariage bref et houleux". Le principe de composition utilisé, le parallélisme, permet de traduire l'ordre de la nature, fondé sur la répétition, et que les hommes sont au fond semblables les uns aux autres.

Alliant réalisme et ordre décoratif, Hodler donne à voir une thématique universelle, donc symbolique, l'essence même de ce que sont la nuit et la mort. Le réalisme des nus et les attitudes de ces couples enlacés provoquera l'exclusion du tableau de l'exposition genevoise des Beaux-Arts de février 1891.

Franz von Stuck (1863-1928)

La Sécession de Munich, qui inspire la Sécession viennoise en 1897 et la Berliner Secession en 1898,  ouvre la voie à l'Art nouveau, compte en 1892 parmi ses membres Max Liebermann, Hans Thoma, Wilhelm Trübner, Fritz von Uhde, Lovis Corinth, Otto Eckmann et August Endell. L'artiste le plus emblématique de ce mouvement est Franz von Stuck, connu pour son art symboliste érotique et la fameuse "Villa Stuck", construite entre 1897 et 1898, située au 60 Prinzregentenstraße dans le Bogenhausen, à Munich, et qui abrite aujourd'hui le Museum Villa Stuck. Sa notoriété débute en 1889 ("Der Wächter des Paradieses") et il s'impose très rapidement comme l'interprète de l'âme germanique par excellence. Ses compositions allégoriques et symboliques puisent dans la mythologie classique des faunes, des centaures, des nus monumentaux et lascifs, saturés de couleurs sombres et sourdes.