Amadeo Modigliani (1884-1920) - Jeanne Hébuterne  (1898-1920) - Anna Zborowska (1885-1978) - Moïse Kisling (1891-1953) - Alice Prin (1901-1953) - Tsuguharu Foujita (1886-1968) - Marc Chagall (1887-1985) - Boris Grigoriev (1886-1939) - Chaïm Soutine (1893-1943)...

Last update: 11/11/2016 

Au début du XXe siècle, Au début du XXe siècle, toute une génération d'artistes, venus des quatre coins du monde, s'installe à Paris, 1905-1913 est une période de fermentation comme il en a peu existé dans l'histoire de l'art, les lieux sont connus, Montmartre et le Bateau-Lavoir, puis Montparnasse, et les ateliers précaires de La Ruche au numéro 2 du passage de Dantzig, dans le 15e arrondissement de Paris, ou la colonie d'artistes du 7 rue du Delta. L'Italien Modigliani, arrivé à Paris en 1906, le Lituanien Chaim Jacob Lipchitz, en 1909, le Russe Chagall et le Polonais Moïse Kisling , en 1910, le Slave Soutine et le Russe Kikoïne, en 1912, le Japonais Tsuguharu Foujita, en 1913, tous se révèlent des artistes farouchement indépendants, en marge de tous les mouvements d'avant-garde, quoique marqués par l'abstraction naissante et un désir de couleurs vives, tels que fauvisme, cubisme, futurisme. Tous ont en commun un même goût pour la poésie et le roman, et tous semblent, à des degrés divers, rongés de l'intérieur qu'ils compensent par une production acharnée. Mais ils portent déjà en eux leur propre fin, artistes exaspérés tout en émotion et en révolte, ils n'engendreront ni écoles ni disciples ....

Modigliani est devenu un mythe qui a suscité un nombre incalculable de biographies et d'études, dans le monde entier, mais, si nous reprenons les paroles de Jeanne, sa fille, une biographie de Modigliani "n'existe pas et n'existera jamais". En une petite dizaine d'années (1910-1920), Modigliani mène une existence d'ivresse et de passion et peint une multitude de portraits et une longue suite de nus féminins qui semblent tous dégagés une vision désabusée, certes, tragique peut-être, mais que l'on ne peut s'empêcher de rapprocher d'un Sandro Botticelli, peintre de la "grâce inquiète" au XVe siècle, peintre qui, au-delà du visage, entend exprimer plus une pensée qu'un simple portrait, "comme la morne acceptation de la vie …"

Amadeo Modigliani (1884-1920)

"Pouvons-nous nous renfermer dans le cercle d'une morale étroite? L'homme qui ne sait pas tirer de son énergie de nouveaux désirs, et presque un nouvel individu, destinés à toujours démolir tout ce qui est resté de vieux et de pourri, pour s'affirmer, n'est pas un homme, c'est un bourgeois, un épicier..." (à Oscar Ghiglia). En 1906, Paris compte 2,73 millions d'habitants, ses boulevards ont été dessinés par le baron Haussmann, plus de 9600 lampes à arc éclairent la cité, et dans huit années éclatera la Première Guerre mondiale. Vincent Van Gogh est mort en 1890, Paul Gauguin en 1903, Paul Cézanne en 1906, et le Salon d'Automne de 1905 voit s'exposer Henri Matisse, André Derain. Originaire de Livourne, en Toscane, Modigliani arrive à Paris au début de 1906, à 22 ans, s'installe à Montmartre, rue Caulaincourt, à proximité du Bateau-Lavoir, il y côtoie Picasso, Derain, Apollinaire, Diego Rivera, Max Jacob, mais changera souvent de domicile. Fauves et cubistes exposent, mais Modigliani préfère fréquenter les cafés, rencontre le Dr Paul Alexandre qui lui fait connaître l'art nègre et le soutiendra jusqu'en 1914. C'est l'époque de : The Jewish Woman (1907-1908,  Private collection), l’un des six tableaux que Modigliani sélectionna en 1908 pour sa première exposition de groupe à Paris, Nude Suffering (1908, Private collection), Nude with Hat (1907-1908, Hecht Museum), Woman in a Yellow Jacket (1909, Private collection), Portrait of Dr. Paul Alexandre (1909, Private collection)...

En 1909, il s'installe à Montparnasse, au 14 de la cité Falguière et se lie avec le roumain Constantin Brancusi arrivé à Paris en 1904 et qui deviendra l'un des sculpteurs les plus influents du début du XXᵉ siècle. Modigliani, sculpteur, projette alors de créer un temple dédié à la Beauté, comportant des centaines de caryatides (figure féminine par excellence qui supporte le toit d’un temple), c'est le temps où s'impose dans ses dessins une simplification et une purification de la forme, à l'image de l'art nègre ou des premiers travaux cubistes, techniques qu'il intègre à sa manière de reconstruire la figure humaine. Cette expérience de sculpteur qu'il abandonne pour on ne sait quel motif (son état physique, une certaine déception) investit sa peinture (cou allongé, tête ovale, simplicité des contours)…

Aucun artiste n'a autant propagé le mythe du peintre affamé, étendu sur quelque trottoir recroquevillé sur lui-même jusqu'au lendemain matin, ou se faisant expulser d'un restaurant après maintes provocations. Aucun artiste n'a autant propagé le mythe du peintre excessif et séducteur invétéré, "on ne pouvait pas détacher les yeux de sa belle tête romaine aux traits absolument parfaits", a rapporté l'ancienne maîtresse de Picasso, Fernande Olivier. Amours passionnés, alcool et haschich emportent Modigliani dans quelques aventures aussi brèves que violentes. En 1910, la future grande poétesse russe Anna Akhmatova (1889-1966), alors jeune mariée délaissée par son époux, partage le temps d'un été une passion brutale traduite en quelques esquisses au crayon par Modigliani: "tout ce qui était divin chez Modigliani ne brillait qu'à travers une sorte de ténèbres", écrira-telle. En juillet 1914, à une époque où la peinture de l'artiste se fait plus sereine, Modigliani rencontre, Béatrice Hastings (1879-1943), correspondante excentrique et raffinée de la vie parisienne (The New Age), amante de Wyndham Lewis et de Katherine Mansfield : Modigliani brosse en quelques 14 tableaux la psychologie indépendante, ambitieuse et imposante de la jeune anglaise (Madame Pompadour, 1915). En 1916, avant de rencontrer Jeanne Hébuterne, il rompt avec Béatrice, non sans maints épisodes publiques des plus violents, et rencontre Simone Thiroux (1892-1921), une de ses amies canadiennes, qu'il quitte une année plus tard, enceinte et tuberculeuse, elle mourra en 1921, l'année suivant la mort du peintre,...

En 1917, Moïse Kisling écrit, "Modigliani était mon meilleur ami. Mais ce n'était plus le garçon sobre d'avant guerre. Il venait tous les jours dans mon atelier; nous travaillions ensemble et nous avions souvent des modèles communs : nous fîmes tous les deux entre autres le portrait de Jean Cocteau", et Modigliani, à son tour fit de nombreux portraits de son ami en 1915. Quand Modigliani n’avait pas d’atelier, Kisling lui offrait le sien, rue Joseph-Bara. En 1917 apparaît Jeanne Hébuterne, elle a 19 ans : elle rejoint son peintre paysagiste de frère à Paris et sert de modèle à Léonard Foujita. C'est la même année qu'elle rencontre Modigliani par l'entremise de Chana Orloff, une sculptrice russe. Les témoignages et photographies de l'époque révèlent une Jeanne Hébuterne, belle et énigmatique jeune femme au teint pâle, cheveux châtain et regard vert et mélancolique, fascine (on sait que Modigliani les peindra toujours en bleu), une bouche charnue : l'attrait passionnel est immédiat avec Modigliani, mais la réputation de ce dernier, émigré juif, bohème, peintre, alcoolique et toxicomane, oblige Jeanne Hébuterne à rompre avec sa catholique de famille. De leur relation naît en 1918 une fille, Giovanna. Jeanne Hébuterne devient en 1919 son modèle préféré : "Les Yeux bleus, Portrait de Jeanne Hébuterne" (1918, Philadelphia Museum of Art), "Portrait de Jeanne Hébuterne (1918, Pasadena, Norton Simon Museum), "Portrait de Jeanne Hébuterne" (1919, Kurashiki, musée d'art Ohara), ...
Elle ne se relèvera pas de la mort de Modigliani à 36 ans, le 24 janvier 1920, et le 26 du même se suicide, enceinte, en se jettant du 5e étage de l'appartement de ses parents, à Paris. Elle avait alors 22 ans.

 Le "Portrait de Paulette Jourdain" est une des dernières oeuvres peintes par Modigliani, en 1919. Native de Bretagne, Pauline "Paulette" Jourdain (1904-1997) a tout juste une quinzaine d'années quand elle arrive à Paris et est employée comme domestique puis comme assistante du marchand de Modigliani, Léopold Zborowski. Elle deviendra la maîtresse de ce dernier et posera pour d'autres artistes, dont Soutine et Kislin. Peinte dans son atelier au coin du 8 rue de la Grande Chaumière, c'est un tableau aux couleurs riches, présentant la jeune fille "en majesté", ici une synthèse allant de l'art africain aux peintures de maîtres anciens pour créer une oeuvre unique et sophistiquée. ...

Anna Zborowska (1885-1978)

Elle fut l'un des modèles attitrés d'Amedeo Modigliani entre 1906 et 1919 : "Anna Zborowska" (1917, Galerie nationale d'art moderne et contemporain, Rome), "Madame Zborowska" (1918, Tate), "Hanka Zborowska assise sur un divan" (1917, Museum of Modern Art), "La robe bleue"... Elle posa aussi, et aux mêmes dates, pour Félix Vallotton, Tsugouharu Foujita, Maurice Utrillo. Elle épousa le poète et marchand d'art Léopold Zborowski (1889-1932) qui rencontra Modigliani par l'entremise de Soutine en 1916 et qui fut pour lui un considérable soutien. Dans une cinquantaine de feuilles découvertes depuis peu, publiées sous le titre de "Trois ans avec Modigliani", Anna Zborowska raconte les débuts du peintre, sa rencontre avec son mari, la Rotonde, les nuits d'ivresse, les modèles nus courant dans l'appartement..

Moïse Kisling (1891-1953)

"C’est un véritable instinct qui pousse un coloriste à préférer telle couleur, le rouge, le vert et le jaune par exemple" et il faut en effet voir chaque oeuvre de Kisling comme une nouvelle expérience de couleur - De plus, dans ses portraits, Kisling est le peintre qui s'attache à créer une atmosphère et à faire ressortir la beauté nouvelle de la femme moderne,  le regard, traité avec minutie, exprime souvent la tristesse ou l'angoisse.  Élève de J. Pankiewicz, à l'Académie de Cracovie, il se rend à Paris en 1910 et s'installe rue Joseph-Bara à Montparnasse, un immeuble où habite Pascin puis Zborowski,  reçoit beaucoup, notamment Modigliani, Soutine, Derain, Gris, Picasso. La diversité de ces contacts peut expliquer l'éclectisme de ses premiers tableaux, où coexistent assez harmonieusement la mise en page disciplinée du Cubisme et la couleur (Nature morte au pichet, 1913, Genève, Petit Palais, fondation Ghez). C'est en 1913 que André Salmon fait connaître le peintre. Engagé dans la Légion étrangère, blessé et réformé (1915), Kisling réside entre 1917 et 1920 dans le Midi (Marseille, environs de Toulon, Sanary, saint Tropez) ; il y exécute des portraits (Jean Cocteau, 1916, id. ; L'Homme à la pipe, 1916, id.) et des paysages d'une stylisation assez naïve, avec une prédilection pour les arrière-pays plus que pour les variations chromatiques de la mer. Si la palette de Kisling s'éclaire au contact de la Méditerranée, singulièrement l'eau est quasiment absente de ses oeuvres. Jeux optiques entre les couleurs primaires et les couleurs complémentaires, ciel d'un jaune incandescent et montagne d'un bleu profond marquent le fauvisme de "Saint Tropez" (1918).

Kiki de Montparnasse

Durant les années folles, tous se retrouvaient autour d’expositions et de soirées folles : celles de la baronne d’Oettingen, du bal nègre avec Youki et surtout avec Kiki, reine de ces soirées. Cette jolie brune volcanique, au sourire éclatant s’appelait en réalité Alice Prin (1901-1953). Sa beauté et sa gentillesse en firent la coqueluche des artistes désargentés. Elle avait débuté en chantant à la terrasse de la Rotonde et dans une boîte à la mode, le Jockey. De nombreux peintres la prirent comme modèle : Modigliani, Soutine, Picasso, Foujita, Derain..... Parmi tous ses amants, Man Ray, le photographe-cinéaste américain l’immortalisa sur pellicule dans un court métrage de 1928, appelé « l’étoile de mer » d’après un poème de Robert Desnos. Quand survint la Seconde Guerre mondiale, Kiki de Montparnasse vit la fin de sa gloire, et bascula dans la misère, alcoolique et droguée, elle mourut en 1953.

Leonard Foujita (Tsuguharu Fujita, 1886-1968)

Né à Tokyo d’un père général médecin de l’armée japonaise au temps de l’empereur Mutsuhito, Tsuguharu Foujita débarque en 1913 à Montparnasse, en pleine effervescence cosmopolite du monde artistique: il a 27 ans, une solide formation classique, il est pétri de culture traditionnelle et lettrée, mais totalement excentrique et ouvert au vaste monde, et n’a aucune difficulté à créer des liens dans les milieux les plus variés et à savoir faire parler de lui  : d’origine aristocratique, il cultive une allure de dandy, fréquente Apollinaire, Diego Rivera, Desnos, Picasso, Modigliani, Van Dongen, Soutine, Derain, Kisling, et Braque, Man Ray et Kiki de Montparnasse, ... Sa première exposition personnelle, en juin 1917 à la galerie Chéron, près des Champs-Élysées, fut un triomphe et ses 110 aquarelles se sont vendues instantanément. Au Salon d'Automne de 1922, le portrait nu de Kiki de Montparnasse sur fond ivoire (Nu couché avec Toile de Jouy) porte un succès lucratif. Opportuniste, il découvre Deauville en 1925,  attire curieux et  actualités cinématographiques de Pathé ou Gaumont, entre Mistinguett et Suzy Solidor, ou photographié en 1927 avec son chat par l'autrichienne Dora Kallmus. 

Foujita non seulement s'immerge totalement dans les milieux parisiens et dans l'art occidental, qu'il soit médiéval ou d'avant-garde, mais il aime les femmes : en 1917, il rencontre Fernande Barrey (1892-1960) au Café de la Rotonde, belle de nuit  et modèle d'Amedeo Modigliani et de Soutine, - qui l'incitèrent à peindre -, il l'épouse mais se sépare en 1928, Fernande ayant une liaison avec son cousin Koyanagi. Succédant à Kiki (1901-1953), c'est Lucie Badoud (1903-1964), qu'il surnomma Youki (Neige rose), qui rentre dans sa vie en 1929, ménage à deux qui se transforme en ménage à trois, partagé avec l'écrivain surréaliste Robert Desnos. En 1931, Foujita fuit  avec Madeleine Lequeux en Amérique du Sud, on la surnomme la «Panthère» (elle est danseuse au Casino de Paris), il la rebaptise «Mady Dormans», elle le suit au Japon mais décédera d'une overdose à Tokyo en juin 1936...

En 1933, Foujita regagne le Japon, il est enrôlé en 1940, est nommé peintre officiel de l'armée de la Grande Guerre d'Asie et subit la tragédie des combats et massacres de masse ("Mort lumineuse aux îles Attu", Attsu-tô gyokusai, 1943; "Nos frères de Saipan fidèles jusqu'à la mort", Saipan-tô dôhô shinsetsu o mattô su), et lorsqu'il revient en France, en 1949, protégé par le général MacArthur et de riches collectionneurs américains, il n'est  plus tout à fait le même. En 1955, sa rupture avec l'Asie est définitive et il acquiert la nationalité française. Une nuit de 1959, dans la basilique Saint-Remi de Reims, une illumination mystique le porte au catholicisme et c'est dans la conception de la chapelle Notre-Dame-de-la-Paix, à Reims, qu'il jettera ses dernières forces ...

Marc Chagall (1887-1985)

Né dans l'actuelle Biélorussie, au sein d'une famille juive hassidique, Moishe Zakharovitch Shagalov ,  arrive en août 1910, francise son nom et devient Marc Chagall. Auparavant, apprenti sans le sou de Léon Bakst, il avait rencontré celle qui deviendra plus tard sa femme et modèle de plusieurs de ses œuvres, Bella Rosenfeld, fille d'un riche bijoutier (Ma fiancée aux gants noirs, 1909, Les Amoureux en vert, 1916, La Promenade, 1917, Bella au col blanc, 1917). Il occupe d'abord un atelier impasse du Maine, puis s'installe en 1912 à la Ruche jusqu'en 1914. Le voici découvrant Renoir, Monet, Van Gogh, Matisse et les Fauves, qui autorisent la couleur au détriment de tout réalisme:  la couleur envahit donc ses toiles (L'atelier, 1910) et exprime en toute liberté toute sa culture russe et yiddish (L'Ane vert, 1911, Tate Modern, London; La Noce, 1911; A la Russie, aux ânes et aux autres, 1911, Le Buveur ou le Saoul - 1911-1912). Via ses motifs qui empruntent aux techniques du cubisme et du rayonnisme, Chagall semble opposer une intériorité propre particulièrement agitée, passionnée et imaginative, à cet environnement occidental qui développe calmement ses révolutions picturales. Vitebsk et Bella Rosenfeld sont toujours présents en lui…

"Autoportrait aux sept doigts" (Self Portrait with Seven Fingers, 1912-1913, Private)
Chagall pénètre rapidement dans le milieu artistique de Paris, fait la connaissance de Delaunay et fréquente les vendredis de Canudo, directeur de la revue Montjoie, où il rencontre La Fresnaye, Gleizes, Metzinger, Marcoussis, Lhote, Le Fauconnier. Il se lie également avec Cendrars et Apollinaire, et les deux poètes s'enthousiasment pour sa peinture et son "primitivisme". Chagall emprunte au Cubisme et à la conception luministe de Delaunay une manière nouvelle de présenter les rapports formels : "Moi et le village" (1911, New York, MOMA), "À ma fiancée" (1911, musée de Berne), "À la Russie, aux ânes et aux autres" (1911-12, Paris, M.NAM), "Le soldat boit" (1912-13, New York, Guggenheim Museum). Au cours de sa première année à Paris, en 1911, Chagall peint à de multiples reprises Vitebsk. La représentation créative de sa ville natale entremêle réalité et fantaisie, et à travers la figuration de la population paysanne juive, associée à une iconographie faisant la part belle à l'harmonie entre l'homme et l'animal, elle devient l'instrument privilégié par lequel Chagall préserve son lien avec les lieux de son enfance. Par l'entremise de Guillaume Apollinaire, Chagall rencontre Walden à Paris en 1912 (Paris par la fenêtre, 1913, Solomon R. Guggenheim Museum, New York City), puis expose à Berlin au premier Salon d'automne allemand (1913) et à Der Sturm (juin-juillet 1914). Il continua son voyage pour revoir sa fiancée Bella et sa famille à Vitebsk. Mais la guerre éclata et le retint en Russie jusqu'en 1922... Mais Vitebsk reste "un monde à part, une ville ennuyeuse, habitée par des bourgeois bossus et maigres, des juifs verts" imprégnés de la parole sacrée (Le Juif en vert, 1914)....

Chagall épouse Bella à Vitebsk le 25 juillet 1915 et devient, à la révolution de 1917, "commissaire aux beaux-arts", puis un temps directeur de l’école des Beaux-Arts. L'existence y est tant étouffante, impossible à tenir son amour (N'importe où hors du monde, 1915; Fenêtre à la campagne, 1915; Au-dessus de la ville, 1914-1918; La promenade - 1917). Marc et Bella, accompagnés de leur fille Ida, s’installent à Moscou, après un différent avec Malevitch (Paysage cubiste, 1918-1919), et le peintre affine son style sans se détacher de son univers biblique et hassidique (Introduction au Théâtre d'art juif, 1920). C'est le temps de : Over Vitebesk (1914, Philadelphia Museum of Art), Birthday (1915, Museum of Modern Art, New York), Bella and Ida by the Window (1916), In Step (1916, Tretyakov Gallery, Moscow), The Marketplace, Vitebsk (1917, Metropolitan Museum of Art, New York), Grey Lovers (1917, Private collection), The Promenade (1917, The State Russian Museum, Saint Petersburg), The Blue House (1917-1920, Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain de Liège)...

Chagall revient à Paris en septembre 1923, décide de ne pas rejoindre le mouvement surréaliste et modifie son style en élimant les séquelles du cubisme et en procédant, d'une part, à la fusion des noirs et des blancs, et, d'autre part, à l'interpénétration des tons. La tonalité violente inspirée par le folklore russe fait place à une collaboration plus subtile durant toute ses oeuvres des années 20 et 30. Mais vers 1933 les persécutions des juifs s'annoncent, l'antisémitisme sévit également dans certains milieux français, la figure du Christ va s'imposer à Chagall  après son voyage en Terre Sainte en 1931 (La crucifixion blanche, 1938). En 1941 Chagall et sa famille, sont forcés de quitter la France où une rafle a failli enlever Bella, ce qui a précipité leur départ pour New-York. Une Bella qui demeure toujours son guide et sa muse et rédige en yiddish, entre 1935 et 1944, ses propres mémoires, celles du temps d’avant leur mariage dans la ville de Vitebsk, qui devient une sorte d’archétype du lieu du bonheur (Les Lumières allumées). Bella jusqu'à sa mort en 1944 fut le grand amour de Chagall…

Chaïm Soutine (1893-1943)
Natif de Lituanie, dans un petit village à majorité juive de la région de Minsk, fils d'un tailleur, Chaïm Soutine rencontre Michel Kikoïne puis Pinchu Krémègne, tous deux futures peintres associés à l'Ecole de Paris, et gagne en 1910 Vilna. Soutine se fixe à Paris en 1913 et s'installe à La Ruche, puis devient en 1915, le compagnon bien connu des jours de misère de Modigliani. Celui-ci, son aîné, déjà un peu connu, aussi beau et charmeur que Soutine est repoussant, lui apprend les bonnes manières et prend en charge cet homme qui n'a connu que souffrances et humiliations. Ils travaillent côte à côte à la Cité Falguière sans qu'on puisse déceler la moindre trace d'influence de l'un sur l'autre, une  peinture qui pour Soutine s'exprime par le choix virulent des couleurs et le travail agressif de la pâte, un style qui par ailleurs n'évoluera plus. Mais tous deux sont poussés par le même désir d'indépendance, loin, très loin des mouvements artistiques de leur temps, fauvisme, cubisme ou futurisme., tous deux rongés de l'intérieur par une souffrance profonde, palpable chez un Soutine qui par ailleurs déborde d'énergie, moins visible chez Modigliani qui la noie néanmoins dans l'alcool et la drogue. Modigliani dans ses portraits le peint avec franchise mais laisse émaner un regard attendri (1916,  musée d'art moderne de Céret). Envoyé par le marchand Léopold Zborowski dans le village de Céret en 1919, il y reste trois années, éprouvantes, peint avec frénésie deux cents tableaux et apprend la mort de son ami, Modigliani. 

Peintre puissant et autodestructeur, Soutine créera constamment dans la fièvre. Le collectionneur américain Barnes achète nombre de ses tableaux et c'est avec le "Petit Pâtissier" (1919) que Barnes et Soutine accède à la renommée, et à la fortune. En 1925, il emprunte à Rembrandt le thème du "Boeuf écorché" (musée des Beaux-Arts de Grenoble), emblématique de son style : l'utilisation immodérée du rouge sang et les distorsions de ses portraits et de ses paysages accentuent l'effet dramatique et nous versent au bord de la démence. Visionnaire doué d'une stupéfiante richesse d'expression, Soutine incarne le mythe de l'art rebelle et férocement antibourgeois. Son attachement à la "vérité" intime des choses le pousse, à la façon de Van Gogh, à une observation obsessionnelle et manique de la nature sous tous ses aspects. Paulette Jourdain, ex-modèle de Modigliani et devenue la confidente de Soutine, posera deux ou trois d'affilée tant Soutine peignait lentement et revenait sans arrêt sur des détails. La première exposition personnelle de Soutine sera organisée à Paris, galerie Bing, en juin 1927. En 1928,  il peint le portrait de Madeleine Castaing, pourvoyeuse financière des années 1930s, commence ses séries de grooms et rencontre Pascin à Montparnasse. L'homme reste partagé entre timidité instinctive, dépression et grossièreté, "Il lui arrivait d'étaler la peinture avec ses mains enduites de couleurs, et la pâte restait sous ses ongles. Le travail terminé, il plaçait son tableau contre le mur, n'offrant aux regards que l'envers de la toile et il ne souffrait pas qu'on puisse examiner ce qu'il venait de peindre" (Drieu La Rochelle). Gerda Michaelis, dite "Garde", rencontrée au Dôme en 1937, le soutiendra constamment, notamment lorsqu'ils seront tous deux emportés par la tourmente de nazie de 1940-1943. Marie-Berthe Aurenche, ancienne épouse de Max Ernst, lui donnera refuge les deux dernières années de sa vie. Il décèdera le 9 août 1943 d'une perforation de l'estomac...