Cubo-futuristes  - Acméistes - Anna Akhmatova (1889-1966) - Ossip Mandelstam (1891-1938) - Lioubov Popova (1889-1924) - Natalia Gontcharova (1881-1962) - Olga Rozanova (1882-1918) - Varvara Stepanova (1894–1958) - Alexandra Exter (1882-1949) - David Burliuk (1882-1967) - Benedikt Livchits (1886-1938) - Velimir Khlebnikov (1885–1922) - Aleksei Kruchenykh (1886–1968) - Vladimir Mayakovsky (1893–1930) - Vassili Kamenski (1884-1961) - Lili Brik (1891-1978) - Aristarkh Lentoulov (1882-1943) - Elena Guro (1877-1913) - Oleksandr Bogomazov (1880-1930) - ...

Last update: 12/12/2020

Le cubisme et le futurisme furent, selon le peintre Kazimir Malevitch, "la forme révolutionnaire de l'art qui préfigura la révolution économique et politique de 1917. Selon Lénine, la Russie était le maillon le plus faible du capitalisme, la rupture de ce maillon devait entraîner la chute de tout le système et ouvrir la voie au socialisme mondial. De la même manière, pour les artistes russes de cette époque, le cubisme annonçait la fin de l'art bourgeois, un art que seul la Russie, pensaient-ils alors, serait capable de dépasser dans son développement ultérieur. Et parmi les mouvements postrévolutionnaires russes nés du cubisme et du futurisme, l'un des plus importants devait être dans les années 1920-1930, les constructivistes...

C'est en 1900 que s'ouvre en Russie une longue période de troubles qui aboutira à la Révolution d'octobre 1917 et mettra fin au régime tsariste, et l'année 1905 voit souffler un vent de liberté sur la création artistique, une volonté de vie en dépit des bouleversements et d'une instabilité croissante. Environ un million de personnes vivaient à Moscou en 1900, un million quatre à Saint-Pétersbourg, la capitale culturelle de la Russie, alors que Londres en comptait six millions cinq et Paris 3 millions neuf. Dans l'ensemble du corps social, à partir de 1902-1903, l'hostilité au régime autocratique de Nicolas II ne cesse de progresser, émeutes paysannes en Ukraine et dans la vallée de Volga (1902),  pression sur les propriétaires en vue d'une réforme agraire, ouvriers organisant de nombreuses grèves pour appuyer leurs revendications devenues politiques, nobles libéraux des zemstvos (assemblées territoriales), membres des professions libérales et les étudiants gonflant les rangs des socialistes-révolutionnaires,  politique répressive du ministre de l'Intérieur, Viatcheslav Plehve, assassiné en juillet 1904,  défaites de l'armée russe engagée dans la guerre contre le Japon (du 8 février 1904 au 5 septembre 1905).

Et le 9 janvier 1905, alors que les ouvriers de Saint-Pétersbourg entreprennent une marche pour présenter leurs revendications au tsar, l'armée tire sur les manifestants, c'est le massacre du Dimanche rouge qui va détruire définitivement le mythe du «tsar-père du peuple». D'octobre 1905 à janvier 1906, les révolutionnaires poursuivent le combat, les marins se révoltent à Kronchtadt (fin octobre) et à Sébastopol (novembre), le soviet de Saint-Pétersbourg se constitue autour des mencheviks de Trotski, celui de Moscou des bolcheviks, Lénine, partisan de l'insurrection armée, arrive à Saint-Pétersbourg en novembre. Mais Nicolas II a fait appel au comte Witte qui liquide le soviet de Saint-Pétersbourg, l'armée revenue d'Extrême-Orient écrase l'insurrection de Moscou, de Novorossisk, de Krasnoïarsk et de Tchita (décembre 1905-janvier 1906). En mai 1906, Nicolas II promulgue les lois fondamentales et fait échec à la prétention de la douma de se transformer en une assemblée constituante. Ce faisant, non seulement il perd l'occasion de transformer la Russie en une véritable monarchie constitutionnelle, mais va  s'engager dans une Première Guerre mondiale, qui va plonger la Russie dans des difficultés insurmontables....

- le symbolisme, ou "décadentisme", le premier à exprimer cet esprit nouveau entre 1894 et 1910, stricto sensu, avec Innokenti Annenski (1856-1909), Fiodor Sologoub (1863-1927), Viatcheslav Ivanov (1866-1949), Valéri Brioussov (1873-1924), Maximilian Volochine (1877-1932), Alexandre Blok (1880-1921), Sergueï Essénine (1895-1925), - les Symbolistes, "de grands séducteurs et pêcheurs d'âmes humaines" -, et pour reprendre la pensée d'Andreï Biély (1880-1934), la quête de ce "passé obscur en nous", qui " se situe sous le seuil de la conscience, seuil que nous découvrons à toute heure, à tout instant dans le tohu-bohu contemporain..." : "Le langage est l'expression, même tâtonnante, de la réalité mythique, donc d'une pensée mythique antérieure à la pensée conceptuelle, d'un «foisonnement cosmique de la vie» que l'enfant est apte à sentir et qui n'a rien de commun avec le cloisonnement de ce que Biély appelle la «vie morose», la vie adulte..."

- l'acméisme (Akméizm, apogée), avec Anna Akhmatova (1889-1966), Ossip Mandelstam (1891-1938), Nikolaï Goumilev (1886-1921), Guéorgui Ivanov (1894-1958). C'est étudiant à Paris qu'Ossip Mandelstam élabore son premier recueil de poèmes, “Kamen“ (1908- 1915), et c’est aussi à cette époque qu'il quitte l’esthétique symboliste de ses premiers vers l’esthétique acméiste, un acméisme qui s'impose définitivement à lui dans les années 1912-13 et dont il ne cessera de se réclamer jusqu’à la fin de sa vie. C'est qu'entretemps, le poète a écouté les leçons publiques au Collège de France de Henri Bergson, - l’Essai sur les données immédiates de la conscience date de 1889, L’Evolution créatrice de 1907 -, et en est venu à considérer que l'éternité que la poésie tente d'atteindre ne peut être cette pure abstraction du symbolisme, mais celle du temps humain, de la durée dans laquelle palpite toute la densité de la vie concrète.  Evoquant François Villon, Mandelstam écrit: “Cet homme a trouvé moyen d’établir une relation vivante, essentielle, avec une énorme quantité de gens appartenant aux états les plus divers, à tous les degrés de l’échelle sociale - du voleur à l’évêque, de la cabaretière au prince. Avec quelles délices il raconte tous les dessous de leur vie! Comme il est exact et vise juste! Les Testaments de Villon sont attirants rien que parce qu’ils communiquent une foule de renseignements précis. Le lecteur a l’impression qu’il pourrait les utiliser, et il se sent le contemporain du poète. L’instant présent peut soutenir la pression des siècles et conserver son intégrité, rester le même 'maintenant’. Il faut seulement savoir l’arracher au sol du temps sans en abîmer les racines - sans quoi il se fanerait. Villon savait le faire. La cloche de la Sorbonne qui a interrompu son travail sur le Petit Testament résonne encore"....

- le futurisme russe, avec Vladimir Maïakovski (1893-1930), Velimir Khlebnikov (1885-1922), Alexeï Kroutchenykh (1886-1968), David Burlyuk (1886-1917). Mais aussi des écrivains incontournables tels que Maxime Gorki (1868-1936), Dimitri Merejkovski (1865-1941), Ivan Bounine (1870-1953), Leonid Andreïev (1871-1919), Ievgueni Zamiatine (1884-1937), Marina Tsvetaïeva (1892-1941, Daniil Harms (1905-1942), Boris Pasternak (1890-1960). 

C'est dans ce contexte que sans doute jamais la circulation des idées et des œuvres picturales entre l’Empire Russe et l’Europe occidentale, avant la Révolution russe de de 1917, fut aussi intense, créativité aidant tant à l'ouest qu'à l'est de l'Europe, de Paris, Munich à Moscou ou Saint-Pétersbourg, Riga, Kiev ou Odessa.

C'est tout d'abord la première grande exposition russe que Serge Diaghilev présente en 1906 au Salon d’Automne de Paris, avant Berlin,  et alors qu'apparaît la jeune peinture fauve. Trois expositions sont organisées successivement par la revue symboliste "Toison d'or", à Moscou, celle de 1908 comprend plus de 280 tableaux, la plupart des tableaux des fauvistes qui avaient fait scandale à Paris en 1905, Matisse, Van Dongen, mais aussi des post-impressionnistes, Cézanne, Van Gogh, Gauguin, en regard desquels figuraient des oeuvres de Larionov et de Nathalie Gontcharova, et de toutes cohortes de jeunes talents russes. Celle de 1909 voit apparaître des pré-cubistes comme Georges Braque, tandis qu'apparaissent des peintres russes comme Robert Falk et Kouzma Petrov-Vodkine. A la fin de l'année 1909, à Odessa, puis à Kiev, le sculpteur Vladimir Izdebski organise la première rencontre de l’avant-garde russe avec le groupe munichois de Kandinsky et la jeune peinture française, plus de sept cents oeuvres couvrant le fauvisme français, l’expressionnisme allemand dans sa version munichoise, le cubisme naissant de Georges Braque, et le primitivisme. En 1910, se tient à Moscou le salon du «Valet de Carreau», la première grande exposition de peinture moderne russe organisée par Larionov, outre Kandinsky, Natalia Gontcharova, Alexandra Exter, David Bourliouk, s'exposent futuristes (Malewicz ,Morgounov) et cézanniens russes (Ilya Machkov, Aristarkh Lentoulov, Alexandre Kouprine, Piotr Kontchalovski). Et retour à Paris, en 1911, pour voir le cubisme s'exposer au Salon des Indépendants du printemps et puis au Salon d’Automne. 

La seconde exposition à Moscou organisée par la Société des artistes d'avant-garde "Valet de Carreau" (Bubnovyi Valet) le 5 février 1912 connaît un succès retentissant, tous les artistes russes les plus influents y exposent, Kandinsky, Malevitch, Ilya Mashkov, Pyotr Konchalovsky, en compagnie de Picasso et de Matisse. 

Mais une question et va diviser les artistes, celle de la relation entre les maîtres européens et  les traditions populaires russes. "Reconnaissant la différence de parcours entre l'art occidental et l'art oriental, l'art occidental est l'incarnation d'une vision géométrique du monde allant de l'objet au sujet, l'art oriental est l'incarnation d'une vision algébrique du monde allant du sujet à l'objet..." (Nous et l'Ouest, 1914, George Yakulov, Benedict Livshitz, Arthur Vincent Lurie, traduction française de Guillaume Apollinaire, publiée le 16 avril 1914 dans le journal Mercure de France)....

De "La Queue de l'âne" au Néo-Primitivisme - En utilisant les principes cubistes de déconstruction de la forme, des sujets primitivistes et des couleurs folkloriques originales, Natalia Gontcharova avait créé dès 1907 un langage artistique original, qui répondait aux aspirations théoriques des "artistes du futur". En 1911-1912, Michel Larionov, entraînant Nathalie Gontcharoff dans son sillage,  prend ses distances par rapport groupe du Valet de Carreau et à David Bourliouk et fonde le cercle de "La Queue de l'âne" (Osliniy khvost). Bourliouk est en effet jugé trop « cézanniste », trop européen. Les membres de "La Queue de l'âne" (allusion au canular d'un tableau peint par la queue dudit animal, exposé au Salon des Indépendants de Paris, un manifeste correspondant au nom d'un artiste inconnu Boronally) rejettent non seulement l'influence de l'encombrant Vassily Kandinsky qui déjà, avec Franz Marc et August Macke, fonde à Munich "Der Blaue Reiter", mais aussi les extravagances françaises. Les artistes de ce nouveau groupe cherchent désormais leur inspiration en Orient, en Russie, en Ukraine et plaçaient au premier plan des icônes, des enseignes des images populaires, en particulier russes (loubok) tout en constituant une tendance nouvelle, le "néoprimitivisme" qui, malgré les premières critiques, gagna toute la peinture russe du XXe siècle.

Le groupe organise une première exposition le 11 mars 1912 à Moscou au cours de laquelle exposent Michel Larionov, Natalia Gontcharova, Vladimir Tatline et Kasimir Malevitch. Le cercle ne subsistera qu'une année à peine, Larionov s'engageant dès 1913 dans une autre aventure, celle de la représentation de la lumière qu'il se posait depuis qu'il avait découvert le peintre Turner. Dans son Manifeste Rayoniste il affirmera que "le Rayonisme est une synthèse du cubisme, du futurisme et de l’orphisme", rayonisme ou "luchisme" pour reprendre le terme "luch" en russe...

En 1917, à la veille de la révolution, le groupe du Valet de Carreau se dissoudra à son tour avec le départ de Konchalovsky et de Mashkov, tandis que Malevich "inventera" le suprématisme, et Kandinsky l'abstractionnisme.... 

Anna Akhmatova (1889-1966)

Anna Akhmatova a été une poétesse pétersbourgeoise de grand talent, au centre d'un milieu culturel, cosmopolite et inquiet, ébranlé à plusieurs reprises par deux guerres et deux révolutions. Née Anna Andreevna Gorenko, elle était d'une famille de propriétaires terriens, grandit à Tsarskoïe Selo (le Village du Tsar), un quartier à la mode situé dans la banlieue de Saint-Pétersbourg, à proximité de l'une des résidences d'été royales. Elle y fait la connaissance de Nikolai Gumilev, qui l'a poursuivie pendant des années, allant jusqu'à tenter de se suicider au nom d'un amour non partagé. Les péripéties sentimentales, leurs traductions littéraires s'enrichissent alors d'un épisode bien connu de l'histoire de l'art. Le couple est en voyage de noces à Paris, et c'est dans cette capitale de l'art absolu qu'Anna rencontre un certain Amedeo Modigliani, installé depuis peu : il dessinera plusieurs portraits d'elle et s'enflammera pour la jeune russe. Amedeo Modigliani avait alors 25 ans, Anna Akhmatova, 21 ans, avait fait sensation lorsqu'elle était arrivée à Paris au bras de son fiancé en 1910, majestueuse avec son mètre quatre-vingt-dix et ses cheveux de jais. Modigliani n'aura jamais autant écrit de lettres d'amour que pour cette jeune femme. Peu de temps après qu'elle l'ait quitté, Modigliani commença sa descente dans l'absinthe et le haschisch qui allait causer sa perte...

"La porte est entrouverte.

Les tilleuls frémissent...

Oubliés sur la table:

Une cravache, un gant."

Anna Akhmatova est associée au mouvement acméiste qui réunit entre 1912 et 1914, à Saint-Pétersbourg, les poètes , N. Gumilev, son mari, S. Gorodetski, O. Mandelstam, V. Narbout et M. Zenkevitch. On oppose alors au "siècle d'or" de Pouchkine, le "siècle d'argent" de cette époque. Ces poètes entendent rompre avec les excès du symbolisme, privilégiant la simplicité et la concision dans la langue, une écriture plus structurée, plus "cézanienne" pour reprendre la métaphore du temps ("Quand, après avoir détruit les esquisses, Vous gardez diligemment dans votre esprit Une période sans gloses lourdes, Intacte dans l'obscurité intérieure, Et rien ne la retient Mais la traction de son propre poids..."). Les idées acméistes ont été développées dans les «Lettres sur la poésie russe» de N. Gumilev, parues dans la revue Apollon de 1911 à 1914, dans son article « Anatomie du poème » (1921), dans une série d'articles de Mandelstam écrits dans les années vingt et rassemblés en un recueil en 1928, et sur la scène d'un cabaret de Saint-Petersbourg, «Au chien errant».

Anna Akhmatova, "Requiem" (Rekviem), 1935-1940

"Requiem" est un recueil de poèmes écrits par la poétesse russe Anna Akhmatova entre 1935 et 1940, mais qui ne sera publié pour la première fois, en russe, qu'en 1963 à Munich et en 1987 en URSS. Cette suite de poèmes retrace la somme de toutes les persécutions et douleurs infligées au peuple russe pendant la période de la «Iejovchtchina», du nom de Nikolaï Lejov, le nain fonctionnaire zélé des grandes purges staliniennes. "Dans les années horribles de la toute-puissance de Yejov, j'ai passé dix-sept mois dans les files d'attente des prisons de Leningrad. Un jour quelqu'un a cru m'y reconnaître. Alors la femme aux lèvres bleues qui se tenait derrière moi (...) est soudain revenue à elle et, sortant de la torpeur qui nous était devenue coutumière, m'a demandé à l'oreille, "Et ceci pouvez-vous le décrire?". J'ai répondu, "Je peux". Alors un semblant de sourire effleura ce qui jadis avait été son visage." Anna Akhmatova parle pour des millions de bouches scellées, condamnées au silence, mais la Russie ne doit pas se renier pour vivre, au contraire : "Par régiments, des condamnés hagards Fous de souffrir défilaient sous nos yeux. Et les locomotives dans les gares Sifflaient la chanson brève de l'adieu. Les étoiles de la mort brillaient clair Sous les bottes roussies de sang..."

Anna Akhmatova, "Poème sans héros" (Poèma bez geroâ, 1940-1965)

«Mon ombre est sur tes murs, mon reflet sur tes canaux Le bruit de mes pas dans les salles de l'Ermitage, Où avec moi errait mon ami, Et dans le vieux Champ des Loups, Où je peux sangloter librement  Sur le silence des fosses communes. »  - 1940, les troupes allemandes sont aux portes de Leningrad et Anna Akhmativa doit fuir et gagner Tachkent. «Depuis l'an mille neuf cent quarante, comme du haut d'une tour, je regarde le monde... », ainsi débute la longue méditation, polyphonique, d'Anna Akhmatova sur le destin de Saint-Pétersbourg, la ville d'Alexandre Pouchkine et de nombreux autres artistes et poètes russes durant toute cette première moitié du XXe siècle, la ville déchirée par la Révolution et la Guerre, rebaptisée Leningrad, sa ville d'adoption bien-aimée, un destin qu'elle a partagé tant avec ceux qu'elle a aimé qu'avec ses compatriotes anonymes. Une structure poétique complexe, trois parties, «Mille neuf cent treize», «Intermezzo», «Épilogue», au cours desquelles se croisent des allusions  et références littéraires (Blok, Meyerhold, Kuzmin), voix dédoublées de la narratrice, la seule d'entre eux à être encore en vie, et qui débute avec la figure du jeune poète Vsevolod Kniazev, qui, en janvier 1913, mit fin à ses jours par désespoir amoureux....

En 1944, Anna Akhmatova reviendra à Leningrad, mais entretemps la politique stalinienne c'est à nouveau durcie et sera réduite au silence jusqu'en 1958...

Ossip Mandelstam (1891-1938)

Natif de Varsovie et mort dans un camp sibérien à la fin de 1938 ou au début de 1939, Ossip Mandelstam, libéral socialisant et chef de file de l'acméisme reconnu dès 1913, est un poète qui aura choisi délibérément de mourir en martyr d'une cause perdue, la liberté de la poésie. Son épouse, Nadejda Kazine, sera sa biographe ("Contre tout espoir") et entretiendra sa mémoire. Jusque-là, après un séjour à Paris à lire Verlaine et à écouter Bergson (1907-1908), Ossip Mandelstam défendait une nouvelle conception de la philosophie, critique des symbolistes français et russes qui entretenaient "non pas une forêts de symboles, mais une fabrique d'épouvantails". Le langage poétique est cette "chair sonore et parlante" qui vit sa propre vie indépendamment de la réalité quelle désigne, le langage est pour l'homme un élément vital, élément du corps mais aussi de l'intimité de tout un peuple, élément d'une culture universelle. Aussi le poète s'insurge-t-il contre les futuristes et les expressionnistes qui rejettent le sens profond de ce langage poétique à vocation universelle, en ignorent toute la profonde cohérence qu'il porte en lui. "Requiem" d'Anna Akhmatova et le cycle des poésies conçues par Ossip Mandelstam à Voronej, lieu d'exil en 1934, constituent de très rares exemples de ce dont est capable une poésie politique, l'angoisse et la terreur...

A partir de 1928, après un récit autobiographique (Le Bruit du temps, Choum vremeni, 1925), un récit fantastique, des textes autobiographiques, et un recueil de ses textes de critique poétique (O Poezii), Ossip Mandelstam cesse d'écrire et se prépare, écrira Nadejda, au martyr : la terreur stalinienne s'instaure progressivement et c'est en 1933 qu'il écrit son Épigramme contre Staline, "Ses gros doigts sont gras comme des vers, Ses mots comme des quintaux lourds sont précis. Ses moustaches narguent comme des cafards, Et tout le haut de ses bottes luit." En mai 1934, il est arrêté et les interventions de Boukharine et de Pasternak le sauve un temps de la déportation; il est placé en résidence surveillée à Voronej jusqu'en 1937. Il gagne ensuite Moscou, avec son épouse, mais continue à être persécuté pour être à nouveau arrêté le 2 mai 1938, sur dénonciation, condamné à cinq ans de travail et mourir dans camp de transit près de Vladivostok le 23 décembre de la même année... 

C'est dans les années 1910, que les acméistes voient surgir dans le paysage littéraire de la Russie la contre-attaque symboliste et la concurrence bruyante des futuristes, cubo-futuristes ou égo-futuristes, des "budetliane-artistes", un large creuset dans lequel on pratique autant la peinture que la poésie, deux langages, deux expériences que partagent toute une génération d'artistes tels que Vladimir Maïakovski, David Burliouk, Alekseï Krutchenykh, Elena Guro, Velimir Khlebnikov et Vassili Kamenski, Olga Rozanova, Mikhaïl Larionov et Kasimir Malevitch. Velimir Khlebnikov introduisit dès 1910 l’appellation budetliane, « futuristes », pour donner un nom à un groupe proche de lui, le groupe Hylaea, dont les Burliouk et Khlebnikov furent membres, "budetliane" du verbe russe «budet», "devenir", pour créer une sorte d’équivalent à la notion de «futurisme» alors incarnée par Filippo Tommaso Marinetti qui venait de publier son Manifeste du Futurisme (1909) et défendait contre la culture du passé et les institutions traditionnelles, l'activisme, le dynamisme, la modernité, la guerre, les révolutions et la machine.

En littérature, on exhorte à la destruction de la syntaxe et à la libération des mots pour suggérer les images dynamiques les plus complexes. La modernité qui s'empare de la Russie est aussi celle d'une énorme dévastation morale, la révolution ratée en 1905, les famines de 1911, et le futurisme russe, avec ses principaux centres à Moscou et à Saint-Pétersbourg et son principal représentant, Majakovsky, n'entend pas tant détruire le langage traditionnel que d'élaborer un art et un langage plus immédiats, plus "réels", qui puisse être vécu au quotidien. Mais subsiste une certaine appréhension du monde à venir, nous sommes entre les révolutions de 1905 et 1917, dans une Russie en pleine crise spirituelle, sociale et culturelle, une appréhension fondamentale ramène insensiblement tous ces artistes à leurs racines slaves. ..

Succédant au futurisme italien, les cercles futuristes qui apparaissent en 1912 en Russie furent certes fracassants mais éphémères, en 1915, ils n'existaient plus...

On peut les décliner en deux courants, un futurisme littéraire qui entend libérer totalement le langage poétique, - quelques dizaines de recueils de poésie furent publiés et quelques productions théâtrales originales organisées -, et le cubo-futurisme, synthèse picturale des principes cubistes (décomposition et géométrisation de l'objet), futuristes (dynamisme des plans et des lignes) et néoprimitivistes (schématisme et naïveté), pratique picturale de quelques années parmi bien d'autres expériences auxquelles se livrent les artistes de ce temps. Parmi les principaux représentants du Cubo-futurisme citons Lioubov Popova, Mikhail Larionov, Natalia Gontcharova, Olga Rozanova, Vladimir Tatline, Kasimir Malevitch, Olga Rozanova, Alexandra Exter...

Lioubov Popova (1889-1924)

Parmi ces femmes avant-gardistes que seront Natalia Gontcharova (1881-1962), Olga Rozanova (1882-1918), Varvara Stepanova (1894–1958) et Alexandra Exter (1882-1949), Lioubov Popova est sans doute la plus radicale. Après avoir étudié, loin de toute académie, tant l'art italien que les peintures de Vrubel à Kiev,  tant les œuvres de Cézanne que le nu et attitudes corporelles, séjourné à Paris et découvrir le cubisme français et le futurisme italien, elle trouvera sa voie après des incursions cubo-futuristes ("Sketch for portrait", 1913) au cours desquelles elle va décomposer visuellement la trajectoire du pendule d'une horloge en fragments individuels, "jouer" et combiner à la façon de l'analytique cubiste un objet tridimensionnel avec la simultanéité futuriste du mouvement. Elle devient créateur de volumes de couleurs, ses «Architectoniques picturales» (1916-1921) imbriquent les unes dans les autres des formes géométriques dont les intersections constituent autant de lignes de force rythmant tout l'espace du tableau....

Varvara Stepanova (1894–1958),

née à Kaunas, en Lituanie, dans une famille russe, grande figure de l'émancipation féminine en Russie et représentante emblématique avec Alexandre Rodchenko (1891-1956), du constructivisme. Elle débuta par des oeuvres cubo-futuristes : au lendemain de la révolution, elle illustre le livre Gly-Gly d'Aleksei Kruchenykh par des collages abstraits en 1919 et rejoint une agence gouvernementale chargée d'éclairer le peuple par la culture. En 1921, elle organise l'exposition historique 5 × 5 = 25 avec Liubov Popova, Aleksandr Rodchenko, Aleksandr Vesnin et Aleksandra Ekster, la "construction" devient le nouvel idéal artistique, la communication claire et objective la brique de base. L'adoption du réalisme socialiste en 1932 ira dans le sens de la conception médiatique de Stepanova ...

David Burliuk (1882-1967)

En tant qu’organisme vivant, la parole change de caractère selon sa manière d’être écrite, imprimée ou pensée (Futuristy : pervyi jurnal russkikh futuristov) - Artiste qui pense de manière poétique ou, à l'inverse, célèbre pour avoir appelé à jeter les classiques, et Pouchkine en particulier, hors du navire de la modernité, personnalité exubérante qui absorbait tout ce qu'il entendait et tout ce qu'il lisait, David Burlyuk incarne plus que tout autre les positions les plus radicales du futurisme russe. En compagnie de son frère Vladimir (mort à la guerre en 1917), peintre lui aussi, David Burlyuk a séjourné un an à Paris, en 1904, dans l'atelier de Cormon, à Munich, puis en 1907, à Moscou, a fréquenté les milieux de l'avant-garde et en particulier Larionov, Gontcharova et Exter, en compagnie desquels il organise de nombreuses expositions. Son œuvre pictural est marqué, sous l'influence de Larionov, par le primitivisme (Chevaux, v. 1910, Saint-Pétersbourg), puis par le futurisme (Pont, paysage de quatre points de vue, 1911, Saint-Pétersbourg). En 1913-1914, il organise, avec son frère Vladimir, Vladimir Maïakovski et Vassili Kamenski, la célèbre tournée des futuristes dans les villes de Russie, donnant des conférences, lisant des poèmes et des proclamations, coiffés de hauts-de-forme et de vêtements excentriques (la «tunique jaune» de Maïakovski). Odessa sera l'une des étapes les plus brillantes de cette tournée. En tant qu'auteur et illustrateur, il participe à la publication de livres futuristes (Tango avec les vaches de Kamenski, 1914) et compose des poèmes-peintures. Il quittera la Russie en 1918 et, après avoir séjourné en Chine et au Japon et s'établit à New York en 1922...

Benedikt Livchits (1886-1938)

"Pendant combien de temps sommes-nous inclus dans le coucher de soleil" - Naumovich, poète passionné, grand amateur de peinture avant-gardiste, traducteur et essayiste, devenu Livshits, rencontre au cours de l'hiver 1911, par l'intermédiaire d'Aleksandra Exter («Personnages dans le paysage»), les frères Burlyuk,  et s'embarque dans leur aventure : un David Burlyuk prêt à absorber toutes les expériences poétiques pour les régurgiter à sa manière, on décrit souvent la rencontre de Benedict Livshitz et de David Burliuk comme celle d'un admirateur de poésie raffiné, d'une inlassable curiosité, face à un prédateur païen et primitif. L'un donne, l'autre reçoit,

".... A la gare, nous avons pris des billets pour Nikolaev afin de changer pour un train à destination de Kherson. Il n'y avait personne d'autre que nous dans le compartiment de troisième classe : nous pouvions parler librement, sans attirer l'attention de personne. Nous avons commencé à parler de poésie. Bourlyuk ne connaissait pas du tout la poésie française : il n'avait que vaguement entendu parler de Baudelaire, Verlaine et, peut-être, Mallarme. Sortant de ma valise un livre de Rimbaud, dont je ne me séparais jamais, j'ai commencé à lire à David ce que je préférais... Bourlyuk était stupéfait. Il n'avait aucune idée de la richesse contenue dans ce petit livre. Il est vrai qu'à cette époque, peu de gens lisaient Rimbaud dans l'original. Parmi les poètes russes, seuls Annensky, Briusov et moi-même l'avions traduit. Nous avons immédiatement convenu avec David que pendant mon séjour à Tchernyanka, j'essaierai de lui faire connaître, dans la mesure du possible, le trésor de la poésie française. De temps en temps, Bourlyuk se lève, se précipite vers la fenêtre et, sortant un carnet de notes de sa poche, écrit quelque chose à la hâte. Puis il le cachait et revenait. Ça m'a rendu curieux. Il n'a pas voulu m'expliquer pendant un long moment, mais il a finalement satisfait ma curiosité et m'a tendu un des morceaux de papier. C'était des poèmes. Trois quatrains étaient esquissés d'une grande main, indistincts à cause des secousses du train. Ces vers rimés ne pouvaient guère être reconnus comme des vers. Une bouillie informe, une bouillie dans laquelle l'imagerie déformée et méconnaissable de Rimbaud nageait comme des particules non dissoutes. C'est pour cela que Burliuk se précipitait toujours à la fenêtre pour étudier ses notes ! C'était manifestement sa façon habituelle de consolider son impression, d'assimiler la matière, peut-être même d'exprimer son plaisir.. Et ce n'était pas un sacrilège. Au contraire, c'était plutôt du totémisme. Burliuk, sous mes yeux, dévorait son dieu, son idole. Le voilà, le vrai mangeur de chair ! Comment les Makowskis et les Gumilevs pouvaient-ils résister à un tel monstre ? ... Et combien cette prédation est séduisante ! Déchirer, arracher, ronger, froisser, recréer le monde, il est tout à vous ! C'était contagieux. C'était déjà une inspiration...." (Le Sagittaire aux yeux mi-clos)

Alexeï Krutchenykh (1886-1968)

Alexey Eliseevich Kruchenykh (ou "Alexander Kruchenykh") a quitté le petit village d'Olivske, province de Kherson (Ukraine), lorsque son père est devenu cocher à Kherson, pour Odessa, la trépidante, y fréquente quelques cercles marxistes, y rencontre David Burlyuk, le futur fondateur du futurisme russe, puis se rend à Moscou en 1907 pour être artiste indépendant. Il devient alors un caraicaturiste renommé dans un certain nombre de revues. C'est ainsi qu'il ne tarde pas à à entrer dans le cercle de l'avant-garde russe, et fait connaissance avec Elena Guro, Mikhail Matyushin, Vasily Kamensky. En 1911, il rencontre Benedict Livshits, qui, avec les frères Burlyuk et Alexei Kruchenykh, constituera bientôt la société futuriste "Budetlyane". À cette époque, l'avant-gardisme est en pleine émergence et Krutchenykh  participe à la publication de plusieurs almanachs futuristes : "Le Jardin des Juges", "Les Trois", "Lune morte", "Gifle au goût du public". En 1912, il a fait la connaissance de Vladimir Maïakovski et de Velimir Khlebnikov, qui ont contribué à sa formation définitive, Kruchenykh se pense créateur d'une toute nouvelle poésie. La même année, es Kruchenykhs travaillent activement avec le groupe cubo-futuriste "Hylia".

Kruchenykh peut être considéré comme l'inspirateur et le créateur de ce qui fait l'originalité du nouvel art qu'est le futurisme, la conception de livres lithographiés dans lesquels convergent poésie et peinture, et qui vont accueillir tous les plus grands maîtres de l'avant-garde russe, M.F.Larionov, N.S.Goncharova, K.S.Malevich, V.E.Tatlin, O.V.Rozanova, N.I.Kulbin.  Non seulement il est le concepteur de ce nouveau type de publication, mais se charge lui-même d'en écrire les textes.  Dès 1912, Alexei Kruchenykh s'associe avec un autre poète, Velimir Khlebnikov, tous deux veulent élaborer leur propre langage poétique, et c'est ainsi que naquit leur oeuvre commune "Jeu en enfer"...

Velimir Khlebnikov (1885-1922)

Velimir Khlebnikov (de son vrai nom Viktor Vladimirovitch Khlebnikov), poète, expérimentateur littéraire, penseur, mathématicien, et ornithologue, influença bien des poètes, tels que Vladimir Mayakovsky, Osip Mandelstam, Marina Tsvetaeva, Boris Pasternak, Nikolai Zabolotsky. Son père, Vladimir Alekseevich Khlebnikov, était ornithologue et forestier dans la province d'Astrakhan de l'Empire russe, et c'est lui qui l'initia enfant à l'ornithologie et à la phénologie, et l'orienta vers les sciences naturelles et les mathématiques. Mais dès 1908 la poésie s'empare de lui, symboliste d'abord, puis rencontre Vasily Kamensky et David Burlyuk s'embarque dans le nouveau mouvement littéraire qui s'annonce avec les recueils "Le Jardin des Juges" (1910), "Une gifle au goût du public" (1912). Khlebnikov devient l'un des théoriciens du futurisme, entrelaçant la syllabe poétique de motifs philosophiques et mythologiques tout en ne cessant de rechercher quelques régularités calculables dans les évènements de ce monde. C'est avec le poète Alexei Kruchenykh qu'il s'engage sur le terrain de la créativité poétique, avec "Le jeu en enfer" (1912) et "Le mot tel qu'il est" (1913). C'est aussi l'homme qui, au début de l'année 1914, alors que le fondateur du futurisme italien Filippo Marinetti visite la Russie, s'attire nombre de critiques en rejetant toute continuité entre le futurisme russe. Mais le futurisme s'estompant, emporté par la révolution de février 1917, la guerre civile et la famine, Khlebnikov sème dans son errance de nombreux poèmes tout en prônant utopie et espoir de fraternité universelle (la "Société des Présidents du Globe", 1917) et la condamnation de toute guerre ( "La guerre dans une souricière", 1919) :   "Nuit avant les Soviets" (1921), "Nuit dans une tranchée" (1920), "Ladomir" (1920), "Razin". Parallèlement, il persiste dans sa quête de quelques "lois du temps", de quelques régularités historiques lui permettant de prévoir les événements et prévenir les guerres futures. Le "supernarratif" "Zangezi" et les "Planches du Destin" (1922) constituent ses dernières oeuvres marquantes. Le 28 juin 1986, le premier musée de Velimir Khlebnikov a été ouvert dans le village de Ruchy, dans la région de Novgorod, à l'occasion du jour de la mémoire du poète...

"La gifle au goût du public" (1912, Pochtchetchina obchtchestvennomu vkusu )

Contributions de David Burlyuk (1882–1967), Nikolai Burlyuk (1890–1920), Vasily Kandinsky (1866–1944), Velimir Khlebnikov (1885–1922), Aleksei Kruchenykh (1886–1968), Benedikt Livshits (1886–1939), et Vladimir Mayakovsky (1893–1930).

En 1908 est sorti "Le Jardin des Juges", proclame le dépliant. - "C'est là que le génie - le grand poète de notre temps - Velimir Khlebnikov a fait sa première apparition dans la presse. Les métriques de St. Petersburg pensaient que Khlebnikov était fou". Et le temps a passé., et V. Khlebnikov, A. Kruchenykh, V. Mayakovsky, B. Livshits, V. Kandinsky, Nikolay Burlyuk et David Burlyuk ont publié "La gifle au goût du public", souvent cité comme le point de départ officiel du mouvement futuriste russe. "Khlebnikov n'était plus seul. Une constellation d'écrivains s'était rassemblée autour de lui, qui, s'ils avaient pris des chemins différents, étaient unis par une même devise: "A bas le mot comme intermédiaire - Vive le mot comme auto-évaluation !" Les critiques russes, ces colporteurs, ces trous du cul baveux, soufflant dans leur cornemuse quotidienne, à la peau épaisse et sans aucune appréciation de la beauté, ont éclaté dans une mer d'indignation et de fureur. Pas étonnant ! Ils ne peuvent pas, élevés à l'école sur des modèles de poésie descriptive, comprendre les grandes révélations de l'âge moderne..."

Contrairement au "Manifeste du futurisme" de l'Italien Filippo Tommaso Marinetti, qui proposait non seulement une nouvelle relation à l'art mais aussi à la vie tout entière, "Une gifle au goût du public" visait plus spécifiquement à bouleverser le conservatisme littéraire....

"Le mot en tant que tel" (1913, Slovo Kak Takavoe)

Alexei Kruchenykh et Velimir Khlebnikov, un pamphlet de quinze pages avec des illustrations de Malevich et Rozanova

En 1913, Alexei Kruchenykh et Velimir Khlebnikov écrivent ensemble le manifeste "Le mot en tant que tel", puis le livret de l'opéra futuriste "Victoire sur le soleil" (texte de Kruchenykh, prologue de Khlebnikov, musique de Mikhail Matyushin (1861-1934), mari d'Elena Guro (1877-1913), décoration de Malevich) qui sera mis en scène à Pétersbourg, et souvent présenté comme l'une des premières manifestations de l'art de l'absurde. Il est vrai que l'époque est riche en anticipations artistiques, le cubo-futurisme est ainsi souvent considéré comme l'une des étapes du chemin qu'entreprend Kazimir Malevitch vers le style suprématiste avec son Carré noir de 1915, et lui-même basé sur un dessin de rideau de 1913 pour le fameux opéra cubo-futuriste "Victoire sur le soleil"...

"Avant nous, il y avait les exigences suivantes pour le langage : être clair, propre, honnête, sonore, agréable (tendre) pour l'oreille, expressif (convexe, coloré, juteux).  En adoptant le ton toujours enjoué de nos critiques, nous pouvions poursuivre leurs opinions sur la langue, et nous remarquerions alors que toutes leurs exigences (oh, horreur !) sont plus applicables à la femme en tant que telle, qu'à la langue elle-même. En effet : clair, pur (oh, bien sûr !) honnête. (ahem !... ahem !...), sonore, agréable, doux (tout à fait juste !), enfin, juteux, coloré vous... (Qui est là ? Entrez !).  Il est vrai que dernièrement, on a essayé de transformer la femme en une dame éternellement féminine et belle, et ainsi la jupe a été rendue mystique (ceci ne doit pas gêner les non-initiés, - d'autant plus... !). Nous pensons que la langue doit être avant tout une langue et que si elle rappelle quelque chose, il s'agit très probablement d'une scie ou de la flèche empoisonnée d'un sauvage. 

De ce qui précède, on peut voir qu'avant nous, les récitants étaient trop conscients de l' "âme" humaine (le mystère de l'esprit, des passions et des sentiments), mais ils savaient mal que l'âme est créée par les bayachiens, et comme nous, bayachiens, avons pensé plus au mot qu'à la "Psyché" éculée par ses prédécesseurs, elle est morte toute seule, et maintenant il est en notre pouvoir de créer toute nouvelle... Le voudrons-nous ? ..."

"Trois" (Трое, 1913)

Е. Guro, A. Kruchenykh, V. Khlebnikov. dessins de K. Malevich.

Le titre Threesome fait référence à un trio de poètes, Kruchenykh, Khlebnikov et surtout Elena Guro, morte de leucémie dans sa maison de campagne finlandaise. En couverture la silhouette  massive et sombre d'un ouvrier paysan reconstruite à partir de triangles et de cônes et en titre, des lettres slaves triangulaires disposées dynamiquement. C'est dans ce recueil que figure l'un des célèbres poèmes d'Elena Guro (1877-1913), "Finland" ("Firs shuyat, shuyat, / ti-i-i-i, ti-i-i-uu..."), poète, illustratrice et graphiste (Sharmanka, Rêve d'automne) qui a rejoint les expériences futuristes dès 1909. Autour d'Elena Guro et de son mari, le compositeur Mikhail Matyushin (1861-1934), s'étaient regroupés très tôt les jeunes forces de l'avant-garde artistique russe, qui sont devenues plus tard le noyau de la société "Union de la jeunesse". Une étoile filante...

Igor Severianine (1887-1941) et l'ego-futurisme

Critiquant l'objectivité excessive des cubo-futuristes, Igor Vassilievitch Lotarev, devenu Igor Severianine, publie en 1911 une petite brochure intitulée Prolog (Ego-Futurisme), "Coup de Tonnerre" en 1913, et regroupe autour de lui, à Saint-Pétersbourg, un mouvement plus provocateur que littéraire, pratiquant les néologismes, le raffinement des sentiments, et l'égocentrisme le plus ostentatoire. "Moi, le génie Igor Severyanin", l'extatique, le suprême, J'ai accompli ma tâche, J'ai conquis la littérature, Et donnant à la foule des citadins La valeur de mon propre moi, Je secoue la poussière de mes chaussures, et je suis de nouveau sur le chemin. Je descends de mon trône d'un air moqueur, et maintenant, suis-je un brillant pèlerin, parcourant les timides vallées Je vais vers où l'inspiration me conduit....

Rivalisant avec Vladimir Maïakovski, Il se produit devant d'énormes auditoires en affirmant haut et fort son génie poétique. Ses disciples ont noms Sergey Alymov, Vasilisk Gnedov, Vadim Bayan, Georgy Ivanov, Vadim Shershenevich. L'année 1918 lui sera fatale, il fuira la Russie pour l'Estonie...

Olga Rozanova (1886-1918) 

Parmi les nombreuses femmes qui animèrent cette foisonnante avant-garde russe, Olga Rozanova est la seule qui ait inventé son propre courant moderniste, le tsvetopis ou théorie des couleurs.

Elle est aussi sans doute l'une des seules artistes russes à ne pas rejeter le futurisme italien, un style qui a permis la "fusion de deux mondes, le subjectif et l'objectif", en exprimant "le caractère de notre contemporanéité", en représentant un "événement destiné à ne jamais se répéter". Mais c'est "le mouvement intérieur, spirituel" qui la fascine, plus que celui des automobiles. Et rien d'étonnant que ses chefs-d’œuvre de 1917, "La Raie verte" et la "Composition sans objet", aient été perçus comme anticipant de plusieurs décennies l’expressionnisme abstrait de Mark Rothko et Barnett Newman....

Forte personnalité qui savait ce qu'elle voulait (Benedict Livshits) et s'intéressait à tous les arts, Olga Rozanova  s'installe en 1911 à Saint-Pétersbourg, où elle entre rapidement en contact avec le groupe d'artistes appartenant au mouvement de l'Union de la jeunesse. Elle expose à leurs côtés lors de la première exposition du groupe en 1912 et écrit "Les fondements de la nouvelle créativité et les raisons de son incompréhension" en 1913 : la beauté esthétique est présentée comme une force éthique et vivifiante, et la liberté vis-à-vis des conventions créatives est le seul moyen de capturer cette force et de s'y engager (l'époque est aux "manifestes", le "Rayisme" de Mikhail Larionov, le "Manifeste des Rayistes et Futuristes" d'Aleksandr Shevchenko, le manifeste de poésie sonore "Déclaration du mot en tant que tel", d'Alexei Kruchenykh, le "Du Cubisme", publié en 1912 par Albert Gleizes et Jean Metzinger, le "Manifeste des peintres futuristes", publié en 1910 par Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla et Gino Severini...).

 1915, 0,10, la dernière exposition futuriste...

Olga Rozanova expose à la dernière exposition futuriste "0,10", qui se tient à Saint-Pétersbourg en 1915 et qui suit l'« Exposition Tramway V » qui avait eu lieu au printemps de la même année.

C'est un nouveau chapitre de l'histoire de la peinture mondiale qui s'ouvre. Pour la première fois, deux orientations fondamentalement nouvelles de l'avant-garde s'exposent au public, le "constructivisme" et le "suprématisme". Kazimir Malevitch y présente son "carré noir" et  Vladimir Tatlin, sa sculpture constructiviste. Malevich venait de publier "Du cubisme au suprématisme. Nouveau réalisme pictural" et un dépliant, qui était essentiellement le premier manifeste du suprématisme, parmi les exposants, dont Ivan Kliun, Lioubov Popova, Natan Altman, Nadejda Oudaltsova, Vassili Kamenski, Ksenia Bogouslavskaïa, nombre d'entre eux ne paratgeaient pas les orientations du nouveau "Maître"...

Vladimir Vladimirovitch Maïakovski (1893-1930), "L'Homme" (1917, Tchelovek)

"L'Homme", composé en 1917 par Maïakovski, est l'exposé le plus important du futurisme russe, "Silence, philosophes! Je sais, ne discutez pas Pourquoi la source de la vie vous a été dispensée. Pour déchirer, pour jeter aux ordures, les feuillets du calendrier". Vladimir Vladimirovitch Maïakovski est un des plus grands noms de la poésie russe contemporaine et, au sein du mouvement futuriste (le seul futuriste qui "n'a pas été persécuté" à l'époque soviétique), affirme une conception révolutionnaire du langage poétique, illustrant  toute la modernité urbaine et prométhéenne, et s'enthousiasmant en tant que créateur absolu, abolissant frontière entre son moi intime et son personnage littéraire, pour la révolution de 1917 ("Comment ne pas me chanter moi-même, moi qui suis un vrai miracle"). Il est alors, par son charisme, sa fougue, ses images outrées, son excentricité provocante, ses néologismes, représentatif de cette extraordinaire floraison artistique des années vingt en Russie soviétique, dans tous les domaines, poésie, théâtre, cinéma, architecture, mais qui tombera, par la suite, progressivement en une défaveur qui touchera vivement le poète. Pourtant Maïakovski a salué la révolution bolchevique avec des oeuvres telles que " Ode à la révolution " (1918), "Marche de gauche" (1918), un hymne à la puissance prolétarienne, appelant à la lutte contre les " ennemis de la révolution ". En 1919-1921, il compose affiches, dessins humoristiques et  slogans. En 1921, le poème "150 000 000" rend hommage à la mission du peuple russe dans le déclenchement de la révolution mondiale. L'homme a tué le poète, en vain :  Lénine fut particulièrement hostile au «futurisme» de Maïakovski, jusqu'à ce qu'il se "normalise" ou disparaisse. David Burlyuk  émigrera aux Etats-Unis, Maïakovski se suicidera le 14 avril 1930...

 "Le Nuage en pantalon" (1915, Oblako v chtanakh), le premier grand poème de Maïakovski conte l'extrême perplexité d'un amant éconduit, en l'occurrence la passion non partagée du poète pour Maria Denisova, rencontrée à Odessa lors de la tournée des futuristes en 1913, elle avait 19 ans....

"Le monde est vaste grâce au pouvoir de ma voix, 

Je suis un bel homme, vingt-deux ans. Tendres !

Vous mettez de l'amour sur vos violons.

L'amour repose sur les timbales.

Et tu ne peux pas te tordre, comme moi,

Tu ne peux pas te tordre comme je ne peux pas me tordre.

Venez apprendre..."

"La Flûte dorsale" (Fleita-pozvonochnik, 1916) 

De la vanité d'un amour passionnel envers une femme qui préfère par-dessus tout la sécurité de son supposé bonheur domestique auprès d'un mari fortuné,  la cruauté de Dieu vengeur, la mort et le suicide. C'est à cette époque (1915) que Maïakovski rencontre les époux Osip et Lilya Briks dans leur datcha de Malakhovka, près de Moscou : "Pendant deux ans et demi, écrira-t-elle, je n'ai pas eu un moment de paix. J'ai tout de suite compris que Volodia était un génie, mais je ne l'aimais pas. Je n'aimais pas les gens bruyants, Je n'aimais pas qu'il soit si grand et que les gens dans la rue le dévisagent ; j'étais ennuyée qu'il aime écouter sa propre voix, je ne pouvais même pas supporter le nom de Maïakovski". Pourtant le couple répondra avec "bienveillance" aux sollicitations du poète... Quant au poème, pièce révolutionnaire ou totalement vide de sens?

Lili Brik (1891-1978) est célèbre comme la "muse de l'avant-garde russe" en ce qu'elle anima à Petrograd un célèbre salon littéraire et artistique de cette première moitié du XXe siècle (1914), accueillant le financier Lev Grinruk, les poètes Vladimir Mayakovsky, Vasily Kamensky, David Burlyuk, Velimir Khlebnikov, Nikolai Aseev , les critiques littéraires Roman Jakobson et Viktor Shklovsky, les ballerines Catherine Geltzer et Alexandra Dorinskaya. En 1915, elle devient une autre muse, celle du grand poète Maïakovski  et devient le personnage principal de ses œuvres. En 1918, Maïakovski écrit le scénario de deux films dont il partage l'affiche avec Lilya, "Enchaîné par le film" et "La Demoiselle et le Voyou". Tous les trois, avec Ossip Brik, critique littéraire et son mari, vont former un trio peu conventionnel qui voyage dans les années 1920, à Berlin, à Paris où il retrouve la sœur de Lili, Elsa Triolet. Mais arrive 1928, le régime soviétique renforce les contrôles et la répression stalinienne se fait plus pressante. Après le suicide de Maïakovski, Lili Brik se vouera à la diffusion de l'œuvre de Maïakovski...